Bajo a por tabaco

En el MARCO de Vigo (incomodísima web) se expone Paraísos Indómitos. Una veintena de artistas abordan el tema de las relaciones del ser humano con la tierra y los vínculos con el paisaje. Hay de todo, desde el documental a la intervención, con un punto de vista utópico, no negativo o cargante. Entre todas las propuestas me gusta la de Guido van der Werve. Va caminando en solitario delante de un rompehielos. Me encanta esta performance, por arriesgada, por cómica, por aventurera, por surrealista, por el paisaje, por sencilla pero sublime. Calculó el ritmo constante al que tiene que caminar para no caer en el surco que va abriendo el buque.

En un mar congelado y con el horizonte de compañero, excepto un barco grande que fuerza su camino por el hielo, aparece una figura diminuta que anda unos metros por delante de un rompehielos, como si éste tuviese que enseñar el camino. Una imagen más monumental apenas podría ser imaginada. Werve, llevando un abrigo ordinario que cuelga sin apretar alrededor de su cuerpo como si él acabase de abandonar su casa, se ha aventurado en el hielo delgado. La distancia entre sus pasos sobre el hielo y el canal que se abre detrás de él es a veces tan leve que esto le hace sostener su aliento. La vista colosal del barco y el conocimiento de que este podría tragarlo en cualquier momento podría hacer sus rodillas ir más debiles. La realidad, con todos sus desastres y trucos aterradores, respira en su cuello. El paseo imperturbable es su única posibilidad, y mientras él se mantenga encima de su paso, todo va salir bien.

Netherlands Media Art Institute, Esma Moukhtar

Aquí podeis ver más proyectos de Guido van der Werde.

A propósito de Vigo, os dejo estas fotografías en el entorno del nuevo Museo del Mar de Galicia tomadas ayer domingo por Pedro Rodríguez Iturbe, es decir, mi padre.

Javier Tles

No sábía nada de este fotógrafo hasta que me lo he encontrado esta semana hojeando un libro en la FNAC. No me fijé en el título pero cuando vuelva lo apuntaré y lo pondré aquí. Cuando vi la primera me dieron ganas de contárselo a la gente que tenía alrededor en la tienda, pero no lo hice. Pues eso, poned cara de clientes y si veis que algún dependiente no puede caminar debido a la presión de los pantalones, cuatro tallas menor, en los tobillos, ayudadle.

Están por todas partes.

Type the sky, las letras de Lisa Rienermann. Realizó este proyecto topográfico contrastando el contorno de cornisas de edificios y el cielo. Es estudiante de la universidad de Duisburg-Essen.

“It began with the Q,” she tells Slanted. “I was in a kind of courtyard in Barcelona. I looked upward and saw houses, the blue sky and clouds. The more I looked, I saw that the houses formed a letter Q.”

Alison Jackson cañí.

Leí hace unos días en menéame la noticia de una foto trucada que le colaron a la Cadena Ser (rectificó a las dos horas). El retoque es bastante descarado, sorprende que no lo detectasen a la primera. Aquí la noticia.




Desde luego si yo trabajase en un medio de comunicación trataría de ser un poco más sutil, y entonces contrataría a Alison Jackson (Gran Bretaña, 1970).

+aquí

Jason Salavon y los catálogos de IKEA.

Salavon (USA, 1970) ha simplificado todas las hojas del catálogo de IKEA reduciéndolas a un color sólido y dejando la estructura, muy Mondrian y muy sueco (por cierto, dice que es la publicación impresa más distribuida del mundo: 175millones), y con el resultado ha hecho estos proyectos:

Field Guide to style. 2007. 374 page book.

374 Farben, con un color de cada página sobre una caja de luz.


Aprovechando los muebles de IKEA os dejo un juego divertido que encontré buscando una fotografía de los cubos del 82 de Donald Judd. Es muy rápido, se trata de diferenciar una obra de Donald Judd de un mueble barato. Abridlo aquí. (Hice un triste 58%), ¿vosotros?)

PD/ Ayer por error puse un video que no correspondía, ya está rectificado.

Slow motion

Me encontré aquí esta obra de arte grabada con cámaras de altísima velocidad para un anuncio de Schweppes ("esebepes" para los que oían Gomaespuma).



...peeeeeero, en Galicia hace tiempo que esta tecnología estraboscópica se nos quedó atrás, el simbolo de Larsa (empresa láctea gallega) está basado en una de las fotografías más famosas de Harold E. Edgerton, "Salpicadura de una gota de leche". Ta bo o queixo!

Rutas del Arte Contemporáneo

Ron Mueck

Algunas de las claves del arte actual que más nos repiten suelen ser, entre otras muchas, la ausencia de una personalidad artística dominante (¿Damien Hirst?), la necesidad de originalidad absoluta de cada autor, es decir, debe ser único y facilmente identificable, el protagonismo del cuerpo humano y asuntos vitales como la muerte, los sentimientos, la ansiedad y sobre todo, lo más importante, conectar sea como sea con el público, es decir, estar más que ser, que el público retenga una obra y no otra, casi en décimas de segundo ante una oferta apabullante.

Recuerdo un documental sobre marchantes cuando aún había Canal+ en el que entrevistaron a José María Cano (sí, el de Mecano, un destacado coleccionista de arte contemporáneo) en la que comparaba el panorama del arte con una gran olla a presión donde los artistas desconocidos serían las cientos de burbujas saltando a borbotones, chocando y peleando entre sí, en la que de vez en cuando alguna destaca y salta fuera de la olla. Esa burbuja, ese artista, haga lo que haga desde ese momento, ya nunca más volverá a la olla, ya es una marca. Me gustó el ejemplo. Lo pudo haber conseguido por ser muy original, por una excelcencia cualitativa única, por provocar, o por cualquier otra razón. Cada día que pase se va a cotizar más decida aunque pase el resto de su vida sentado en un banco viendo pasar gaviotas.

La última de las característica afirma que hay una ausencia de un discurso artistico dominante. Hoy el arte es un reciclado de tendencias pasadas con nuevos significados donde se fragmentan los estilos y se mezclan todas las referencias. Bien, esto es cierto y bastante obvio...pero quizá no tanto. Hoy hay tanto arte que es elemental pensar que hay de todo, pero probablemente exista una mayor tendecia al hiperrealismo derivado de la necesidad urgente de impactar en el espectador para saltar fuera de esa olla.

Si nos fijamos un poco tanto en la élite creativa internacional o simplemente por abajo, en las pinturas (en este caso fotorrealismo, diferente al hiperrealismo que conoceis por ejemplo de Antonio López) que se presentan a los concursos de bellas artes, se observa un dominio latente de fondo de estos vientos.

Genial.

Centros de arte contemporáneo, museos, los amigos de los museos, críticas, espacios culturales, revistas, revistas sesudas, ensayos, conferencias, blogs, premios, textos que explican obras, textos soporíferos que explican obras, textos soporíferos que explican obras soporíferas, galerias, colecciones, tasaciones, subastas, catálogos, catálogos de subastas, artículos, invitaciones, inauguraciones, "lo que quise decir", lo virtual, lo simbólico, lo conceptual…menos mal que después llega un tipo que con dos trazos hace esta maravilla.

De aquí.

Juan Muñoz

No recuerdo la primera vez que ví una escultura de Juan Muñoz (Madrid, 1953). Sería a finales de los noventa, cuando era un pipiolo sin apenas interés por el arte; me impactó mucho. Traté de leer todo lo que estaba a mi alcance sobre la obra y aunque era muy difícil, verla en persona. Con el tiempo he aprendido lo importante que es ver una obra de arte en directo, pero no sabía explicarlo. Ayer leyendo el prólogo de "El impacto de lo nuevo" de Robert Hughes, encontré las palabras en este ejemplo de un texto que habla del arte en TV:

"Al enfatizar el contenido icónico del arte, forzando en un marco narrativo imágenes concebidas para ser contempladas detenidamente y por tanto imponiéndoles el tiempo rápido de la televisión al tiempo lento de la pintura y de la escultura; eliminar superficies, texturas, detalles y el auténtico color, conspirando contra la resistente presencia física y la escala de la obra de arte, y sobre todo, debido a la fugaz atención que suscita, la televisión no puede -ni siquiera en las manos del director más comprensivo- construir nada que sea satisfactoriamente análogo a la experiencia que emana de la obra de arte inmóvil"

Ya por entonces Juan Muñoz era quizá el escultor más importante español de los últimos 50 años y apenas reconocido en España. Fue el primer artista en tener una retrospectiva en la sala de las turbinas de la Tate. Hacía arte por el arte, sin calculadora.

Esas figuras de plomo o cera, universales, grandes. Pueden estar en el exterior, en coro, dialogando, combinadas con las instalaciones interiores, más inquietantes, con muñecos de ventrílocuo, que tan nerviosos nos ponen a veces situados sobre suelos geométricos que nos llevan a Van Eyck. Decía Juan Muñoz que lo que má le importaba era el presente y la muerte, las dos únicas cosas que alcanzamos por su ausencia.

Murió muy joven , con 48 años, un infarto le golpeó una tarde de agosto en su casa de verano en Ibiza. Ese día también falleció una tonadillera famosa, así que los periódicos se limitaron a recordarlo con una o dos páginas en la sección de cultura. Esto no es demagogia. Me entristeció bastante este hecho, la muerte y el escaso reconocimiento nacional y tan extraordinario en el extranjero.

Estaba en la cima de su carrera y su figura crecerá poderosamente con los años. Basta como ejemplo ver la influencia ejercida sobre el popular Mark Jenkis, del que hablamos hace unos días, reconoce que su inspiración en el montaje de sus instalaciones viene de Muñoz. "Influencia" es un término generoso. Su viuda es la reconocida escultora Cristina Iglesias, que no hace mucho tuvimos la suerte de ver en la Fundación Caixa Galicia de Coruña.

Juan Muñoz:

Chris Jordan y la acumulación.

Acumulación, en este caso de 32.ooo barbies (nº de operaciones de aumento de pecho mensuales en EEUU). Y aquí el resto. Chris Jordan.

€

Banksy

275.000

Murales en V.

Cuando se viaja a lugares demasiado pensados puede ocurrir y suele ocurrir, que decepcionen. Los construimos en nuestro imaginario y la realidad inapelable reduce monumentos gigantes a simples monolitos, o paisajes sublimes a circos artificiales masificados.

Quizá por eso llegué con temor, en bus, una mañana soleada, y me encontré un lugar auténtico y fantástico.Las colores tropicales de sus casas son así de brillantes porque usan la pintura, antióxida, resistente, que sobra de los cascos de los barcos. Es una ciudad pobre, desorientada, cuidada, decadente; fue el puerto más importante del Pacífico y hasta en la Polinesia se usaba la moneda de esta ciudad. Hoy sigue habiendo muchos poetas no tan malditos y perros en cada esquina.

Cuando decidieron llamarlo Valparaiso ya no necesitaban más.

Son muy populares en internet las pinturas murales y graffitis que tanto han proliferado en sus calles estos últimos, ultimisimos, años, especialmente en la atalaya que es Cerro Alegre. Que nadie se asuste. Un buen graffiti en un muro puede ser un buen graffiti y una mala pintura en la mejor galeria es una mala pintura.

Estas fotos las tomé hace exactamente un año. La chilena tan guapa es la genial Sofía Herrera.

"Water is life", Henk Hofstra.

Henk Hofstra, diseñador y pintor holandés, quería un río en su pueblo, Drachten. Mide un kilómetro y en el medio dice "Water is life" con letras gigantes.

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Barrio de las Flores, otra arquitectura coruñesa.

En 1929 Walter Gropius resumió en tres puntos las características de los edificios dedicados a vivienda: primero, superficie y volumen mínimos; segundo, stándares higiénicos obligatorios, es decir, que estuviesen bien iluminados, ventilados y soleado, y tercero, un dormitorio por cada ocupante de la vivienda. Con estas premisas y la idea de una elevada densidad que permita liberar gran cantidad de suelo nace la slab house (casa laminada). Fue experimentada por primera vez en 1934 en Holanda, en la vivienda Bergpolder, de Brinkmann. A partir de entonces todas las ciudades se vana llenar de casas laminares siguiendo los dictados modernos. Durará aproximadamente hasta los 70, cuando se reclama de nuevo la ciudad histórica y el urbanismo tradicional aplastado por las vanguardias.

En Coruña tenemos un claro ejemplo de esta tipologia constructiva: el Barrio de las Flores, de Jose Antonio Corrales (Corrales/Molezún). Habitado sobre todo por emigrantes que vinieron en los años 70 del rural, durante años ha padecido una injusta mala fama en la ciudad de ghetto y ha sido abandonado a su suerte por las instituciones locales más preocupadas por transoformar a la ciudad en el Walt Disney gallego.

Comencé a fijarme en este barrio (Premio Nacional de Arquitectura) cuando paseaba con mi padre por la Avenida de Monelos; siempre le gustó. Hacía que me fijase en su urbanismo, sus edificios. Contiene calles peatonales que recorres los tres bloques, y crea una serie de recorridos que une los bloques con plazas, bajo las cuales se localizan los aparcamientos, y alrededor el espacio infantil, locales de reunión, cafetería, parroquia y supermercado, es decir, espacios perfectamente adecuados a un uso previo. Alguien pensó una arquitectura con pocos recursos pero con la voluntad de que las personas que allí vivirían lo hiceran mejor, con más calidad de vida. Hoy, 30 años después, muy cerca, en Eiris, se han levantado varios bloques, pegados, sin ninguna planificación, con un afán especulativo desmesurado. Repito, mucho peor 30 años después.Y probablemente son estos grandes bloques nuevos los que han hecho que el Barrio de las Flores haya perdido en parte su dimensión paisajistica, pero no la riqueza compositiva y el afán social con el que fue proyectado (aunque otros lo niegan).

El barrio está viejo. En los últimos años cada cierto tiempo la prensa habla de un gran plan especial de recuperación que se anunció con la pomposidad provinciana de siempre. Se ha pintado algún bloque aislado sin mucho criterio. El resto sigue igual.

Las fotografías son de Pedro Rodríguez Iturbe.

Los camuflajes de Desiree Palmen

Desiree Palmen es una fotógrafa holandesa de 44 años. Destaca su serie "camouflage", en las que fusiona a los seres humanos con su entorno. Es un trabajo muy detalloso, hecho a mano, llamativo, no hay trampas ni retoques. Da miedo pensar si somos la prolongación de algunos objetos, o lo contrario.

Manolo Paz

Manolo Paz, esculpe pedruscos y además es un gallego nacido en el 57 en Cambados, donde sigue viviendo. Se formó en la Escuela Maestro Mateo de Compostela, pasó unos años en Nueva York y volvió.

Comenzó tallando con su navaja trozos de madera y hoy sus granitos se exponen en espacios privilegiados de numerosas ciudades aunque no se prodiga demasiado. Artista cotizadísimo, pero también un gran artista. Aprendió a trabajar la piedra como cantero, quienes "al tener las manos ocupadas, tenían la mente descansada. Así discurrían tanto" y hoy trabaja con grandes bloques de granito de formas rotundas devolviendo texturas atlánticas.

Quizá con sus menhires busque una recuperación de la memoria más remota, o simplemente un reencuentro con la naturaleza. O ninguna de las dos. A muchos nos gusta pasear entre sus menhires de Punta Herminia, el nuevo icono coruñés.

A Xanela de Manolo Paz. Este mes en en la Galería SCQ de Santiago.

Mira por donde pisas.

Hace unos días descubrí este sencillo blog: Little People - A tiny street air project. Utilizan muñequitos hechos a mano descontextualizados de escenarios comunes ¿Londres?, a veces con mensajes irónicos y casi siempre inquietantes (algunas me recuerdan a Hopper). Un ejemplo:

Cosas que hacer con las cosas del cajón de las cosas.

Mark Khaisman es un artista muy personal y muy popular (esto sólo lo hace sospechoso... de tener talento). Un cincuentón que nacio en Kiev y realiza su trabajo en Filadelfia. Su serie más famosa se llama Tapeworks. Utiliza esa cinta adhesiva marron que todos tenemos en el cajón de la sala, pegándolas sobre cajas de luz de plexiglas. Es muy bueno Mark Khaisman.

Los difuntos cubos de Portela.

Una de las construcciones más polémicas y comentadas en Galicia en los últimos años ha sido el cementerio nuevo en Finisterre (2000), diseñado por César Portela, el arquitecto gallego más conocido (con Gallego Jorreto). Aquí trata de explicar su proyecto.

Está más o menos un kilómetro antes de llegar al faro de Finisterra, en la Costa da Morte, en una ladera muy verde que termina en el oceáno: una inmobiliaria podría anunciar los panteones con vistas al mar en primera linea. Es una arquitectura esencialista, habitual en Portela. Cubos de granito (gris Mondariz) disperos, con la cámara funeraria dentro, mirando al mar y unidos por un camino de tierra. Hasta el día de hoy, que yo sepa, desde el año 2000, ningún vecino de la zona ha querido ser sepultado en el cementerio.

La última vez que estuve, hace ya dos años, comenzaba a dar muestras de desgaste y abandono, la hierba y los tojos cubrian amplias zonas, algún trozo de granito arrancado, etc... es decir, se está convirtiendo en una especie de ruina contemporánea, un cementerio sin difuntos y lleno de arquitectos y estudiantes, que nunca ha llegado a tener utilidad y sin embargo ha prestigiado mucho al arquitecto (el proyecto es premio Philipe Rotthier 2002 y finalista en 2003 del Mies Van der Rohe!).

¿es justo? ¿habría que quitarlo después de su evidente fracaso funcional? ¿son los vecinos de Fisterra gañanazos poco enterados? ¿debe la viuda de 80 años ir a llevar flores en invierno a un lugar sin resguardo en una ladera permanentemente golpeada por el océano? si aceptase ir a llevar las flores ¿debería ser obligatorio el uso de gafas de pasta en el recinto? ¿qué os parece?

Otra curiosidad es el parecido de las formas con una instalación del gurú del minimalismo Donald Judd del año 85(lo recordé por un trabajo que hice sobre el artista hace años) creo que está en EEUU, pero no estoy seguro. Comparad.

Donald Judd

César Portela