23 diciembre 2010

The man who shot the 70's

* The man who shot the 70's
Idea Generation Gallery (London)
Catálogo gratuito PDF
Mapa y horarios

Bowie_RonsonLunch1973cMickRock

Así es como se conoce  a Mick Rock, el fotógrafo por excelencia de David Bowie y de otros muchos grandes como Lou Red, Iggi Pop o Queen. En esta muestra también se presentan nuevas fotografías como dos retratos a Alicia Keys y Kate Moss. Imágenes icónicas en la ciudad más icónica del mundo.

20 diciembre 2010

Let's Go

Me mudo una temporada indefinida a Londres. Contaré lo que vea por allí, y seguiré siempre con la mirada y el corazón en Galicia. Agradezco mucho información de contactos laborales, intereses, lugares o lo que queráis contarme. 

11 diciembre 2010

Un museo puede ser moderno o puede ser un museo, pero no ambas cosas.
Gertrude Stein

10 diciembre 2010

Cristina García Rodero

*CGAC Santiago de Compostela
Ata o 13 de febreiro de 2011
Comisarios: Miguel Von Hafe e María José Villaluenga Garmendia

Paga a pena visita-la exposición de fotografías de romarias e festas galegas de Cristina García Rodero no CGAC. Mostra un país de penitencias mediante imaxes que van da tradición á antropoloxía escatolóxica, nun tempo que vai pasando, e cambiando. O texto que segue é dos comisarios da mostra.


 Nada en Puertollano (Cidade Real) en 1949, Cristina García Rodero é, sen dúbida, un referente incontestable da fotografía española contemporánea. En 2009 foi a primeira fotógrafa española admitida como membro de pleno dereito na prestixiosa axencia Magnum e, ao longo da súa carreira, recibiu, entre outros, o Premio Nacional de Fotografía (2006), o Bartolomé Ros de PHotoEspaña (2000) e o World Press Photo (1993, 1997 e 2008), como recoñecemento ao seu labor.

Como artista, Cristina García Rodero sabe que estes documentos non nos devolven a realidade. Non nos contan historias, non son ilustracións dun relato particular. Constitúense nun meta-relato, que percorre con precisión interrogativa un determinado contexto social e xeográfico, que o supera, que o desborda para regresar sempre ao seu lugar orixinal. No camiño, sorpréndenos o xeito en que a nosa memoria se aferra aos detalles máis insignificantes para aducir unha fenda na súa significación literal. Aquelvello que no Entroido de Verín intenta bicar unha muller que non parece sequera prestarlle atención, a ofrecida no caixón co seu abano e os seus lentes escuros en Santa Marta de Ribarteme, a muller que terma fachendosa dunha cabeza de peixe na lonxa de Vigo, a avoa infranqueable de Xende, todos estes personaxes foron captados cunha mirada idiosincrásica que os retira do anecdótico para os fixar como elocuentes paradigmas dunha maneira de celebrar a vida. Contra a morte, ou como diría Derrida, a partir da experiencia da morte posible. Seguramente sexa ese o leitmotiv que guía a Cristina García Rodero. Unha aprendizaxe eterna da vida por oposición á nosa implacable finitude.

E é na trama complexa deste presente perpetuo, deste transtempo vivido ou recoñecido, onde se moven as obras de Cristina García Rodero, que nos falan daquilo que nós conseguimos sentir, ulir, respirar: da nosa condición humana, da nosa transitoriedade, da nosa participación nesta comedia eterna.

25 noviembre 2010

Pioneiros

Anuncio do ano 1952 realizado por Luis Seoane


LUIS SEOANE. ARTE E INDUSTRIA

Fechas: 25 Noviembre 2010 - 2 Diciembre 2010
Participantes: Juan Manuel Bonet, Xosé Díaz, Isaac Díaz Pardo, Manuel Gallego Jorreto, Xavier Seoane
Coordinación: Manuel Gallego Jorreto




O xoves 25 de novembro o  escritor y crítico de arte, Juan Manuel Bonet, será o encargado de abrir o ciclo Seoane, arte e industria coa conferencia Introducción á figura de Luis Seoane. O ciclo, coordinado polo arquitecto e Premio Nacional de Arquitectura Manuel Gallego Jorreto, servirá como peche dun ano no que a Fundación Luis Seoane realizou un esforzo de difusión da obra e vida dun dinamizador cultural e artista irrepetible tanto a través de exposicións, simposios e congresos, como da edición do Dicionario Seoane ou de documentos audiovisuais que reflexasen profundidade da obra e do pensamento dun creador comprometido.

O venres 26 intervirán a partir das 19:15 o escritor Xavier Seoane coa conferencia Teoría, compromiso e acción e o deseñador gráfico Xosé Díaz, quen afondará nos conceptos básicos da práctica como deseñador de Seoane a través de Teoría e praxis do deseño en Luis Seoane.

O xoves 2 de decembro, ás 19:15 o arquitecto Manuel Gallego Jorreto tratará a figura de Seoane en relación co Laboratorio de Formas e, pechando o ciclo, terá lugar unha mesa redonda na que participarán Isaac Díaz Pardo e Andrés Fernández Albalat entre outros. A entrada é libre ata completar aforo.

14 noviembre 2010

11 noviembre 2010

A cidade interpretada en Baleiro

 Desde Baleiro gustaríanos convidarvos a un encontro informal co comisario Pablo Fanego. O encontro terá lugar este venres 12 ás 19:30 en Baleiro (mapa), Santiago de Compostela.

Como sabedes, Pablo ven de presentar a segunda edición de A Cidade Interpretada. A nosa intención é establecer unha charla sobre o proxecto de arte pública que naceu en 2006 nas rúas de Santiago de Compostela e que desde outubro de 2010 podemos desfrutar de novo. Así mesmo, tentaremos achegar outras reflexións máis amplas como o papel dos comisarios fronte as políticas culturais ou a situación do espazo público na Galiza, polo que nos gustaría contar coa vosa presenza e opinións.

05 noviembre 2010

Santiago Sierra rechaza el Premio Nacional de Artes Plásticas

NO de Santiago Sierra
Acción de Santiago Sierra en ARCO 2010

Madrid, Brumaire 2010
Estimada señora González-Sinde,
Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.
Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.
El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.
¡Salud y libertad!
Santiago Sierra

04 noviembre 2010

El portugués Jorge Molder

En el último número de I Like Magazine hay entrevistas y reportajes con Kristin Hersch, Phosphorescent, Mishima vs The New Raemon, Oriol, Ivan Mourin, Jorge Molder, We Are QQ y mucho más. Podéis descargarlo aquí en PDF o suscribiros a la edición en papel a través de suscripciones@ilikemagazine.com (10 números 30€). Por mí parte, en la sección Un efecto inesperado hice una reseña ¿? de una muestra fotográfica de Jorge Molder en la Fundación Luis Seoane.

El portugués Jorge Molder



Me gusta Portugal. Aunque detesto a Cristiano Ronaldo, me gusta mucho Portugal. Me gustan los portugueses, viven con una elegancia que no tenemos en el resto de la península, y me gusta la camiseta del Sporting de Lisboa, de rayas horizontales verdes y blancas. Otro detalle es el nombre del presidente, Sócrates. La wikipedia dice que por Portugal pasaron tartesos, celtas, fenicios y cartagineses, griegos, germanos, musulmanes, judios y mucho más tarde los brasileños, aunque parezca que fue al revés. Pero por lo que más me gusta Portugal es por los buenos recuerdos. Si como dicen los cursis la patria es la infancia, entonces Portugal también es la mía.

Cuando era un niño mis padres nos llevaban a mis hermanos y a mí a pasar el verano a las afueras de Lisboa. Algunas tardes tomábamos un tren en Cascais que nos dejaba en la estación Cais de Sodré, en Lisboa. Era un tren con el exterior de acero inoxidable, como los de las películas americanas. Una visita obligada era la Fundación Calouste Gulbenkian, creada en 1956 con la herencia de un magnate del petróleo armenio llamado, adivinaste, Calouste Gulbenkian. Es una  una colección única, de más de seis mil objetos y obras que este hombre reunió durante toda su vida, de arte egipcio, greco-romano, islámico, chino y japonés. El  recorrido era extenuante. Conservando esta colección como núcleo, la fundación fue creciendo, abrió sede en París y Londres y se ha convertido en un propulsor cultural privado destacado en toda Europa. Tienen orquesta propia, compañía de baile, bibliotecas, museo y el centro de arte moderno, a donde vamos en el siguiente párrafo.

El centro de arte moderno de la Fundación Gulbenkian, inaugurado en 1983, ha producido la exposición A interpetaçao dos sonhos de fotografías de Jorge Molder que ahora podemos ver en la Fundación Luis Seoane en A Coruña. Es la única parada que hará en España. Jorge Molder nació en Lisboa en 1947, veintisiete años antes de la Revolución de los Claveles y estudió Filosofía. Molder llama a sus fotografías autorrepresentaciones y las clasifica en series, en este caso tres, con una unidad de acción clara y bastante sugestiva. Están retocadas sin complejos y son en su mayor parte autorretratos cargados de analogías cinematográficas. La primera serie se llama O pequeno mundo (2004) y en ella el fotógrafo se autorretrata en una oficina ficticia, un espacio baldío que produce una incomodidad similar a la de los wasteland de Juan Muñoz. A continuación, en la serie Nao tem que contar seja o que for (2006-2007), se muestran claramente las afinidades cinematográficas de Molder con referencias a la obra de David Lynch, Hitchcock, Alan Reisnar  o Tod Browing entre otros. Se cierra la exposición con la serie A interpretaçao dos sonhos (2009), la única de las tres en color, remite directamente a la obra de Freud y plasma los sueños del artista. En el juego de las comparaciones ociosas me pareció ver a Man Ray en los encuadres confusos y algo de los retratos meditativos de Yosulf Karsh.

Toda la obra, a pesar de la división en tres series diferenciadas, va configurando un discurso unitario en relación a grandes cuestiones tan difíciles de abordar como son la vida, la muerte, los sueños o la individualidad. La buena fotografía transforma el conocimiento y la experiencia que tenemos del mundo y de nosotros mismos, y la de este fotógrafo lisboeta, además, da testimonio de la enriquecedora simbiosis de los diferentes medios artísticos, en este caso cine y fotografía, cuando hay un buen artista detrás.

Hay una ley no escrita, y que me he inventado esta mañana, que dice que a medida que una conversación en línea entre españoles sobre Portugal se alarga más de un minuto, la probabilidad de que aparezca una mención a las toallas tiende a uno. Probadlo. Es decir, que nos estamos perdiendo Portugal. La Fundación Luis Seoane abre, además de los días laborables, todo el fin de semana.

10 octubre 2010

Quienes dicen que el arte no debe propagar doctrinas suelen referirse a doctrinas contrarias a las suyas.
Borges

06 octubre 2010

Rotondas y arte público

Image
Rotonda en Boadilla del Monte (Madrid). Fuente de la imágen

Enmascarando la pobreza del paisaje urbano: rotondas y arte público es el título de un estudio de las profesoras de la Universidad Autónoma de Madrid Elisa Canosa Zamora y Ángela García Carballo. El texto que sigue es la introducción del estudio, que se puede leer completo en PDF aquí.

En intersecciones de todo tipo de viales, sobre todo en las establecidas en la periferia de las ciudades y pueblos españoles, aparece de manera reiterada, desde hace poco más de dos décadas, una singular combinación constituida por la rotonda y el conjunto monumental que se ha convertido en auténtica metáfora de los nuevos tiempos, de la nueva cultura y de las nuevas formas. En la difícil lectura de estos espacios urbanos difusos se ha llegado a atribuir un sentido relevante a estas creaciones inicialmente sólo funcionales pero pronto cargadas de imperativos hedonistas, muy propios de la cultura actual.

No se trata de una cuestión marginal. Las rotondas son muy numerosas: la Comunidad de Madrid contaba con 2.700 en el 2008, distribuidas en vías urbanas e interurbanas, siendo la provincia con mayor número, casi 1.000 más que Barcelona. En España la cifra ascendía a   24.000 en esas fechas2. Se trata de un fenómeno reciente e invasivo que parece no tener límites. Además ocupan mucho suelo, frente al espacio reducido de las encrucijadas convencionales.

Mueven, por otra parte, más cantidad de dinero en su construcción, en su ornamentación y en su mantenimiento. Sobre todo, afectan directamente a una población muy numerosa, obligada a usarlas y contemplarlas fugazmente mientras transitan. Frente a su aceptación generalizada, especialistas de campos diversos están ya denunciando su carácter banal y, por ello mismo, el peligro de su despliegue disparatado e improcedente. Si se analiza críticamente su propagación, se manifiestan entonces como auténticas cortinas de humo que ocultan un paisaje urbano que en la actualidad se empobrece y se estandariza.

Intereses económicos, políticos y mediáticos confluyen en encumbrar estos espacios dándoles una trascendencia que no deberían tener: es un producto nuevo, que pueden vender bien y convertirlo fácilmente en exaltación de la cultura o hito simbólico de los lugares. Resulta curioso además que se trate de un fenómeno europeo que sólo en fechas muy recientes ha cruzado el océano para comenzar a desplegarse en Estados Unidos. De allí sin embargo proceden las nuevas piezas urbanas que pueden asignarse a la posmodernidad.

Están allí los paisajes canónicos, en las nuevas exópolis, en los espacios difusos, fragmentados y segregados de las periferias, donde persisten vacíos junto a superficies urbanas especializadas, homogéneas socialmente y estandarizadas. En esos territorios es donde aparece por ejemplo el centro comercial, en la confluencia de viales rápidos, autentico emblema de la época, referencia de sus formas arquitectónicas, de las nuevas actitudes y de la prosperidad urbana. En los márgenes de la ciudad española destaca sin embargo, en el nuevo paisaje, en el sprawlscape, la rotonda ornamentada con una enorme escultura.

La primera que se construye en Estados Unidos data de 1990 y aún hoy existen menos de 2.000 en todo el país (RoundaboutsUSA, 2009). En contraste, en 2008, había cerca de 30.000 rotondas en Francia (carrefour giratoire o giratoire) y más de 10.000 en Gran Bretaña(roundabout). La dinámica de expansión de estos dos productos ha sido pues inversa, lo cual puede considerarse como una alegoría de las peculiaridades de una y otra cultura. El centro comercial y la rotonda ornamentada son distintivos de los nuevos tiempos, a los dos se les pueden asociar además los valores que las sociedades que los construyen están adoptando: ambas son reverso de la cultura ciudadana y negación del espacio público.


Parece que por fin Europa es capaz de crear sus propios espacios basura, un producto vulgar cargado  sin embargo de grandilocuencia que podría añadirse a los otros símbolos de los territorios urbanos contemporáneos evidenciados por López de Lucio (2006) certeramente. La clave de la crítica es la parafernalia que envuelve esta pieza y su tratamiento. Más allá de su estricta   función, se ha llegado a asimilar la combinación de escultura y rotonda al binomio arte público y espacio público que, sin embargo, constituye una de las mejores incorporaciones a las políticas locales y ha demostrado tener importantes repercusiones tanto en el diseño de nuevas áreas urbanas como en la regeneración de ámbitos marginales.

Valcárcel Medina


Extracto de un reportaje publicado por Javier Rodríguez Marcos en El País en 2008.

 Valcárcel, en efecto, nunca ha sido un artista cómodo. En 1996, el Reina Sofía, dirigido entonces por José Guirao, lo invitó a presentar un proyecto. Él, de nuevo, aceptó. Y de nuevo con una condición: para ejecutar su obra necesitaba los presupuestos reales -montajes, catálogos, transportes, seguros- de las últimas muestras realizadas en el museo madrileño. El Reina se negó a facilitarle esa información, que él consideraba de dominio público. Así empezó una particular performance que llevó al artista hasta el Defensor del Pueblo -que le dio la razón- después de reclamar ante el Ministerio de Cultura y el Congreso de los Diputados. Ni qué decir tiene que la exposición, que hubiera colocado a Valcárcel Medina en el candelero, nunca se llevó a cabo. Para él, la obra resultante es la kafkiana correspondencia que mantuvo con todas las instancias interpeladas. No era la primera vez que el artista chocaba con una institución. Cuando una fundación, cuyo nombre no quiere revelar, le propuso exponer, él presentó un presupuesto que fue rechazado: seis euros. "Me dijeron que creaba un mal precedente no por ser caro, sino por ser barato".

Valcárcel Medina no ha vendido jamás una obra. Durante años vivió de rehabilitar casas. Con todo, él no renuncia a que le paguen, "pero un precio digno, no precio de artista". Por eso cobró lo que hubiera cobrado un pintor de brocha gorda por pintar aquel muro del Macba: 900 euros. "Parece", apostilla, "que uno tiene un estatus y ya no puede ir de pintor de brocha gorda. Vale, pues voy con un pincel fino". Para él, "el arte está supersobrevalorado". Por eso le parece "un caso maravilloso" la desaparición de la escultura de Richard Serra, de 38 toneladas, perteneciente a la colección del Reina Sofía: "La obra de arte es robar esa escultura, no hacerla".

La conversación termina desembocando en una pregunta: ¿es más difícil escapar a la persecución o al halago? "Ahora, el poder lo asume todo, lo paga y lo archiva para la tranquilidad general. Es más difícil escapar del dinero que de la policía. Hay profesionales de la protesta que medran y progresan. Antes, si escribías en una pancarta 'Franco es feo' ibas a comisaría. Hoy si escribes 'El alcalde es feo' el Ayuntamiento te compra el cartel". Con todo, siempre hay resquicios, el poder no lo asimila todo: "Es cierto, el Reina Sofía no asimila que se le pidan las cuentas. A los artistas les exijo un plus de responsabilidad. Deberían pensar: si todo lo que hago me lo compran, ¿qué puedo hacer que no me compren, para que no me cacen?". Y recuerda su experiencia: "Una vez me llevaron a Canarias y me metieron en una habitación de hotel con dos duchas y cinco televisores. Pensé: mi obligación es evitar que me vuelvan a meter en una habitación así".

  • El próximo jueves 7 de octubre Isidoro Valcárcel Medina dará una conferencia dentro de las jornadas Arte + Grandes Eventos, a las 12.00h en el CGAC. Aquí se puede descargar el programa completo.

04 octubre 2010

A Coruña, el sueño de Gulliver

 Un recorrido turístico por la ciudad de A Coruña desde el punto de vista de un gigante, empleando las técnicas Time Lapse + Tilt Shift. Por Daniel Almeida

29 septiembre 2010

La Gran Depresión

Durante la Gran Depresión el desempleo en EEUU alcanzó al 25% de la población, las zonas dependientes de la industria del sector primario fueron las más perjudicadas por la caída de los precios de las cosechas, que llegó a alcanzar el 60%. Ésta y otras magníficas sesenta y nueve fotografías se pueden ver en el blog de fotografía del Denver Post, al que llegué a través de The Big Picture. Fue un encargo de la Farm Security Administration-Office of War Information para medir las consecuencias de la crisis en la América rural y pequeñas localidades unos años después de la crisis. El álbum original es propiedad de la Biblioteca del Congreso de EEUU.

28 septiembre 2010

"No llaméis arte al arte contemporáneo"


Extracto de la entrevista a Marc Fumaroli publicada hoy en El País. Aquí para leerla íntegra.

P. Es usted especialmente crítico con el arte contemporáneo, con esta concepción del arte espectáculo...

R. No solo del arte espectáculo, sino del arte negocio. Hay una nueva clase social que surge de la acumulación del dinero en una esfera extremadamente estrecha, pero mundial. Estos millonarios ya no quieren tener en casa un tiziano o un delacroix, sino signos exteriores de riqueza. Y eso es lo que les proporcionan las galerías que les ofrecen tiburones dentro de tanques de formol o juguetes sofisticados como los que produce Jeff Koons.

P. ¿No cree que este arte pueda llegar a ser popular?

R. A la gente le gustan otras cosas, el deporte, la música rock... No me parece mal. Lo que me resulta odioso es vender a esta gente, que no lo quiere y que tampoco se lo puede permitir, un arte reservado a la imagen de los famosos. La gente común va mucho más al museo del Louvre, a los museos de arte antiguo... Esos lugares convocan auténticas peregrinaciones.

P. ¿En qué momento el arte toma esta deriva? ¿La culpa la tiene Marcel Duchamp?

R. No, claro que no. ¡Pobre Duchamp! Era un snob francés muy elegante que jamás se hubiera encontrado con Warhol. Lo suyo era el privilegio de pequeños grupos muy exquisitos. Cuando el MOMA hizo la primera retrospectiva de Warhol, Duchamp devolvió la invitación, que no era sino la imagen de La Gioconda con bigotes, que él mismo había realizado. Consideró obsceno que aquel mal artista utilizara una imagen que él había inventado para hacerse su propia publicidad. Hay un mundo entre Duchamp y Warhol. La fórmula de Duchamp era: 'todo lo que se pone en un museo se convierte en obra de arte'. Warhol la utiliza en el sentido de que todo lo que hay en los supermercados puede entrar en museo y convertirse en obra de arte. Nunca Duchamp pensó esto.

P. ¿La línea roja la marcaría el pop americano?

R. Creo que ha influido mucho transportándonos a este universo que no está hecho para los europeos. Hay un punto común en el arte, la exigencia de una obra, y hemos entrado en un mundo en el que el arte no supone una obra, sino solo un concepto, una cosa efímera que durará un tiempo breve y que, momentáneamente excita un poco a los periodistas. Esta es la gran ruptura. No hay derecho a utilizar la palabra arte para lo que se llama el arte contemporáneo, no lo llamemos así; habrá que inventar otra palabra, tal vez entertainment para millonarios.

25 septiembre 2010

The secret eyes (him watching)

cowboy-looking in jeans coming into a wild-generation party all smoky and mad

Imágenes: Jackson Pollock 51, película de Hans Namuth
Música: David Bowie
Palabras: Extracto de The subterraneans de Jack Kerouak, 1958

24 septiembre 2010

Zorba, el grillo



1000 grillos pegados sobre soporte rígido autopintándose. Obra titulada Zorba, de Ismael Abalado. Una espectadora roció a los grillos con insecticida. La sala de exposiciones Habana Espacio Libre, donde se realizó este montaje, la ha retirado porque "va en contra de sus principios", aunque unos días antes decían que "él tiene libertad para hacer lo que quiera, aunque a veces nos chirríe y nos duela" y "mostramos todo el respeto por el compañero porque todos podemos se maltratadores en un momento dado".

23 septiembre 2010

Museos, redes y futuros pasados

Por Mamen Manen. Publicado originariamente en adesk (las negritas son mías)

Después de un buen tiempo en que la palabra clave en las instituciones artísticas ha sido “educación” puede ser que pasemos a nuevas definiciones mediante la “comunicación”. Los cambios evidentes en el comportamiento en la red han obligado –o esto parece- a los museos a replantearse el qué, el cómo y el cuándo comunicar. Tradicionalmente, la institución dedicada al arte era un muro basado en su verdad. La institución emitía discurso y el usuario lo recibía desde su pequeñez. La capacidad de acción por parte del usuario era, digamos, limitada: canales menores para la opinión y pocos contactos directos con los productores. Las distancias entre los espacios dedicados a la producción cultural en los museos e instituciones artísticas y aquellos destinados a su presentación siguen siendo importantes. En las salas está todo acabado y bien empaquetado, y en las oficinas están ya en los siguientes proyectos. Las entradas a “oficinas” y a “las salas” son distintas y habitualmente la máquina productora se esconde tanto como se puede. Seguramente no hay mala intención, simplemente las cosas son como son. O como eran.

Llegó la explosión de la red en su definición para la participación (y su evidente base comercial en la implantación de algunas de las redes sociales más importantes) después de un momento de 2.0 en el que la ideas sobre posibles mejoras democráticas dieron paso a la individualidad y la facilidad por el estudio del comportamiento de los usuarios/clientes. De las herramientas abiertas y en proceso pasamos a las plataformas que siguen en proceso pero en las que los usuarios no tienen capacidad para definir. Las formas van cambiando a una velocidad superior, pero el fondo es el mismo: “Ellos” deciden. Es en este momento en el que las instituciones artísticas se lanzan a la caza de los usuarios en la red. Una vez asumido que Facebook es lo que es (o sea, un canal más) parece que no queda otra opción que entrar y difundir propaganda sobre las actividades que se realizan. Por un lado, la institución tiene la opción de recibir un feedback bastante rápido, puede saber qué tipo de usuario activo es el que tiene en la red y hasta podrá tener algunas cifras de posibles éxitos de participantes en actividades físicas.

En un primer momento se genera cierta dislocación. Se trata de sistemas basados en en el comportamiento individual, en lo “personal”, en lo cotidiano y en el mantenimiento en presente de contactos que no tienen lugar en otros tipos de comunicación. El papel de lo institucional no queda claro, pero la propia plataforma ya se encargará de definir perfiles que sean propicios para las instituciones. Al fin y al cabo, las instituciones pueden ser, también, clientes. Se suaviza lo íntimo para que la difusión de contenidos propios de los museos y centros de arte –entre otros- puedan funcionar sin problema. Pero, y siempre hay un pero, nos encontramos con otro ritmo. Los contenidos tienen que aparecer de un modo y a un tiempo distinto, el mantenimiento de los usuarios pide otro tipo de atención y hasta es necesario estar atento ya que es posible que sea necesario dar respuesta a alguna pregunta. O sea, que alguien dentro de la institución tendrá que trabajar más. Los consultores de medios pueden ayudar a definir estrategias y modos de funcionamiento, pero tocará a los productores trabajar en la velocidad que piden las nuevas estructuras de comunicación, ya que los tiempos entre producción y difusión van a recortarse. Será el momento de definir quién sube los contenidos, cómo se suben y qué se sube. Y todo apunta que en la mayoría de instituciones este trabajo estará en manos de aquellos que ya se encargaban de la comunicación, con lo que la distancia entre productores y receptores sige a salvo.

Quedan unas cuantas preguntas en el aire. El uso de las redes sociales (y de contenido) como plataformas propias por parte de las instituciones conlleva cierta disgregación de sus sitios web. Ólvidate de unidad en el diseño o de planteamientos que impliquen alguna reflexión sobre el copyright. También se puede perder la opción de generar otros lugares donde la base no sea la comercial. Los museos, por su capacidad de gestión y producción, pueden en algunos casos (que la crisis afecta también a todos) dar opciones y mostrar posibilidades más allá de lo establecido. Sus sitios web pueden llegar a ser bases en las que definir nuevas formas y modos de actuación. La interrelación entre contenidos puede marcarse desde otras cordenadas y, seguramente lo más importante, existe la posibilidad de definir nuevos canales o de analizar críticamente los ya usados.

La red se va complicando y, de golpe, nada es universal. El diseño de una página web necesita de varias formas para que se adapte a las distintas plataformas. No es lo mismo Firefox que Explorer, pero es que aún es más distinto un ordenador que un Iphone. Las instituciones tienen la capacidad para investigar en estas diferencias, la posibilidad de analizar la situación y dar contenidos específicos (algo de momento más complicado para plataformas independientes más pequeñas, ya que el trabajo vuelve a ser para especialistas y, por lo tanto, más caro). Una de las preguntas clave está en ver si tal diversidad de presentaciones se plantea desde la comunicación de la institución o si sirve de base para un replanteamiento estructural: ¿Dejarán las exposiciones las salas? ¿Serán los teléfonos herramientas educativas? ¿Será la geolocalización algo para definir contenidos? ¿O vamos a tener los mismos contenidos en formatos distintos? ¿Y llegaremos a tiempo?

21 septiembre 2010

Cuando hay que modificar o renovar la doctrina fundamental, las generaciones sacrificadas en las que se opera la transformación siguen siendo esencialmente ajenas a ella, y a menudo directamente hostiles.

Auguste Comte

20 septiembre 2010

Canal+ Xtra

Nos habían dicho que cuando llegase la TDT conoceríamos otra manera de ver la TV, que mejorarían los contenidos y que ligaríamos más. No parece que haya sido así. Por eso es destacable que Canal+ arriesgue con un canal nuevo, radical, minoritario y original llamado Canal+ Xtra. Están estrenando con los últimos vídeos de Makoto Yabuki, estrella en ARS electronica, películas como (enlaces a trailers) Metropia, The Infidel, La cinta blancaSéraphineel documental Koolhaas houselife, espectáculos como The Infernal comedyel programa de música de Joos Holland producido por la BBC Later  y el humor irreverente de Bill Maher Lous C. K. Shameless. Decidí escribir esta entradapublireportaje porque se pusieron en contacto los encargados de Canal plus Xtra para explicar los contenidos y me pareció un proyecto valiente que dan ganas de apoyar, ojalá funcione. Más información en plus.es

Trailer de Koolhaas houselife, documental de Ila Bêka y Louise Lemoine sobre la Villa en Burdeos de Rem Koolhaas. A través de un día en el trabajo de la limpiadora extremeña Guadalupe Acedo se muestra las innovaciones, ventajas  y problemática de una de las viviendas más detacadas del siglo pasado.

19 septiembre 2010

José Luis Brea


José Luis Brea murió la semana pasada. Fue uno de los teóricos y críticos de arte más relevantes de España y pionero de la crítica de arte en la red. En salonkritik, la página que dirigía, leí una de sus máximas que llevo bien apuntada "Ningún significante es portador autónomo de un significado absoluto", la negación del arte como un absoluto, como un campo autónomo y valioso en sí mismo. Este último artículo de José Luis Brea se publicó originalmente en elcultural.es. Las negritas vienen de fábrica. 

Arte = crédito cero

1. Hacen bien -los periodistas, digo- en descreer del arte. Si lo hicieran de veras mostrarían algo de sensibilidad y sentido crítico. Pero sus actos de increencia son casi siempre los menos (por ejemplo contra los Turner de turno) y siempre son a favor de las domingadas que ellos de veras aman: Botero, Modigliani, Barceló… horteradas.


2. Por el contrario, la tarea del descrédito bien entendida, pertenece al interior mismo de un arte “bien-entendido”, que, sabido es -aunque no por ellos-,tiene por obligación el autocuestionamiento. Duchamp, los dadaístas, Broodthaers, todo el mínimal a su manera, el conceptualismo americano de las segundas vanguardias, Smithson o Aconcci … cada uno de ellos sólo producía arte en el trabajo mismo de cuestionarle la credibilidad del arte. En realidad, si todos estos trabajos tienen algo de “arte logrado” lo es únicamente en que han conseguido realizarse justamente bajo esa retórica de la autonegación inmanente. 


3. “La suspensión de la increencia”. Este es el lema que los cultos post-ilustrados -si prefieren, los románticos- utilizaron para señalizar lo distintivo del discurso artístico frente a la exigencia que el positivismo rampante dirigía a los discursos y teorías de la ciencia. Para que ésta pudiera avanzar, lo primero obligado era la uesta en duda -metódica diría Descartes- de todo aquello que no pudiera demostrarse. O sea, “suspensión de la creencia”, de todo lo que sólo pudiera sostenerse “por fe”- laicidad y progreso del conocimiento, de la mano.

4. El momento del arte contemporáneo llega más tarde: es aquél que también quiere reunir producción de conocimiento e increencia: suspensión de la fe. O, como dijera Benjamin, conseguir rescatar el modo de la experiencia estética de su forma parasitaria del culto heredada de su origen vinculado a lo religioso. Una apuesta sin fe por el arte es, entonces, la única forma que puede en la contemporaneidad tomar un hacer del arte que, a la vez, lo quiera “productor de conocimiento”.


5. Aunque sólo fuera por eso, habría que agradecer los improperios desacreditadores de los horterillas con tribunamejor ese desprecio que la santurronería almuecina de los predicadores del mundo del arte, mercenarios de vocear su fe, e ignaros de que en hacerlo son ellos los que de verdad desacreditan al arte que pregonan, si lo fuera.


Y 6. Ya sólo queda espacio para un arte observado sin fe, analizado rigurosamente, sin préstamo de creencia. Y justamente ése punto de partida es el que distingue a una crítica (intra)sistémica y cómplice del análisis cultural crítico y no servil a las expectativas de propaganda y proselitismo que, parapetado en sus instituciones, el arte se pretende por todas partes. Hasta por los periódicos.