27 marzo 2010

M.U.A.U. A Coruña


MUSEO URBANO DE ARTE URBANA

A CORUÑA

7 de abril a 16 de xuño

Intervencións, expo, audiovisuais, concertos

muau.org


21 marzo 2010

Geopolítica del arte: nociones en desuso

Néstor García Canclini

1. ¿Cómo definir en las artes las relaciones entre norte y sur o entre oriente y occidente? Distintas épocas generaron narrativas que hoy son difíciles de aplicar como: colonialismo, imperialismo, poscolonialismo. Subsisten procesos de dominación que merecen los primeros dos nombres, pero la mayor parte de los vínculos asimétricos, desiguales, entre países o culturas requieren otros conceptos, que aún no tenemos.

Las teorías poscoloniales, nacidas en India y otros países asiáticos independizados hace cinco o seis décadas, son menos productivas en América latina, donde muchos países celebran este año el bicentenario de su independencia. Algunos latinoamericanistas de la academia estadounidense intentan destacar los “legados coloniales”, especialmente en zonas con alta población indígena. Pero si uno quiere tomar en cuenta lo que sucede en las ciudades (donde habita más del 70%), aun en el centro histórico de la ciudad de México, el que conserva más edificios de la colonia, los problemas demográficos y económicos, de tráfico y contaminación, de desarrollo cultural y social, necesitan ser leídos como efectos de las contradicciones modernas.

2. Hasta hace treinta años la existencia de una metrópolis artística (París, Londres o Nueva York) y de culturas nacionales más autocontenidas daban cierta credibilidad a los proyectos autónomos de cada país. Las teorías sociológicas más consistentes sobre el arte definían su objeto de estudio a escala nacional (Pierre Bourdieu analizaba el campo artístico en Francia, Howard S. Becker explicaba “el mundo del arte” observando la música en Estados Unidos).

Los artistas no quieren hoy ser vistos como representantes de culturas nacionales. Más bien buscan insertarse en redes que enlazan a Nueva York, Londres, Sao Paulo, Beijing, Dubai y unas cuantas ciudades más que están articuladas todo el año (no sólo cuando hay bienales o ferias) por las redes digitales que permiten interactuar desde cualquier punto del planeta. La sociología de las artes nacionales está siendo reemplazada por etnografías de circuitos transnacionales (James Clifford y Sara Thornton) y por análisis geopolíticos de la estética y la cultura (Arjun Appadurai, David Morley, entre otros).

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15 marzo 2010

¿Qué (demonios) es el arte contemporáneo?

ILikeMagazine es una revista bastante molona sobre música, arte, cine, libros, moda, etc. La edición en papel está muy cuidada y en todo caso podéis descargar aquí el último número en PDF en el cual comienza mi aportación mensual que se titulará Un efecto inesperado. Ésta es la primera, que yo he venido aquí a hablar de mi libro.
¿Qué (demonios) es el arte contemporáneo?

Cuando estudiaba la carrera de Historia del Arte las asignaturas de arte contemporáneo tardaban en aterrizar, primero había que memorizar la lista de papas que hacían cortapega en Roma y la evolución del kurós griego, pero al final llegaban. Un día entró por la puerta un tipo joven sin pinta de catedrático, no se parecía a los tertulianos de la tele, y se presentó, era el profesor. Nos dio unos cuantos consejos, marcó fechas de exámenes y al final nos pidió que respondiésemos en una hoja a una pregunta que resultó tan previsible como jodida: ¿Qué es el arte contemporáneo?

No recuerdo que payasada pretenciosa contesté en aquel momento. Hoy cuando alguien me hace esta pregunta evito la respuesta (sólo Pérez-Reverte la sabe), pero suelo citar un par de ellas ajenas que me gustan, una seria y otra no tanto. Con la primera incluso se puede ligar. Suena a título tontón de Isabel Coixet, pero es un hito revolucionario en diez palabras publicado por Dino Formaggio en 1973: “Arte es todo aquello a que los hombres llaman arte”. En esta sentencia, tan redonda y tan twitera, Formaggio atribuye al arte una ruptura de límites y normas previas duchampiana inédita hasta hace apenas un cuarto de hora. Un punto y aparte radical con su lado oscuro, canaliza todo el poder en los hombres, temibles, y los hombres son la institución y sus prácticas: galerías, exposiciones, ferias y otros contubernios que hoy son auténticas plataformas de espectáculo y legitimación política pero apenas discretos laboratorios de creación.

La otra respuesta, la menos seria y cargada de ironía, me la comentó un amigo hace un par de meses. Es del inclasificable Miquel Noguera y la dijo en uno de sus Ultrashow. Transcribo sus palabras: La trilogía de El señor de los anillos, con sus tres películas, ilustra un viaje de unos hobbits a por un anillo, hay acción, hay batallas alucinantes, nos está ilustrando la Cultura Popular. ¿Qué haría el Arte Contemporáneo? Pues haría otras tres películas… para la vuelta. Es decir, ya volverían felices, sin ganas de luchas ni malos rollos, se detendrían a mirar la hierba, se pararían a hablar con los árboles, tienen sueños y reflexiones amor-odio, y todo tras muchas horas de planos lentos y cambios de luz. Eso ya es el arte contemporáneo, el regreso después de destruir el anillo.

En realidad podemos encontrar tantas respuestas como tanto tiempo libre y un buen ADSL tengamos. Nos hacemos esta pregunta más veces de lo que creemos, visitando exposiciones, girando rotondas, o la temporada pasada en el Camp Nou, pero lo importarte y útil de verdad es el propio hecho de plantearla y abordarla sin prejuicios. Es necesario enfrentarse a la creciente desconfianza, cuando no menosprecio, de una mayoría ante el intrincado panorama del arte actual. Sin olvidar, por supuesto, el esfuerzo urgente y necesario para reinventar vías didácticas y prácticas culturales, pero asumiendo la mejor aportación que nos da hoy el arte - la misma que tanto indigna a Vidente Verdú en El País (Pintar sin pintura 18-01-2010) y escandaliza a los editores del telediario asustaviejas de Antena3 en su paseo anual por ARCO- es decir, la nueva pluralidad de códigos que apenas abarcamos y define un territorio inestable, nihilista, sujeto a una redefinición continua que agita y perturba al público. El espacio de las artes plásticas ya no es sistemático y ordenado, es intranquilizador, debe serlo.

Hace tiempo le preguntaron a Luis Gordillo por la polémica cúpula de Barceló en la ONU y respondió sin despeinarse que “ante el debate artístico, la gente se caga de miedo”. Así es, en el arte actual falta debate, falta contarlo, y sobran aforismos. La experiencia del arte es enteramente individual y ninguna interpretación, de nadie, puede superar a lo que Susan Sontag llamó la transparencia estética, la expectativa de experimentar el arte. Búscala y cuéntala, es gratis.

Andrés Rodríguez Morado

14 marzo 2010

Ferreiro Badía en Compostela

* Ferreiro Badía
Galería José Lorenzo - Santiago de Compostela
Hsata el 4 de abril


Desde sus inicios, en los primeros 60, ha venido oscilando entre una figuración y abstracción, ambas de acusada personalidad. Estructuras austeras y elegantes a la vez que algo expresionistas, en resinas de poliéster, con colores planos (1ª exposición 1963), el transflorado de metacrilatos (exposición en 1969), o hierro galvanizado, conviven con modelados precisos de raíces caldeas y egipcias realizados en piedras duras pulimentadas, madera y bronce.

Aborda a lo largo de la década de los 70 el diseño industrial. Las esculturas de este momento son estructuras primarias, provistas unas veces de aristas y curvas neumáticas, y otras, de formas geométricas con pureza de líneas. Los años 80 afirman un modelado esencialista y conciso; Ferreiro Badia incorpora en sus relieves lo sutil y el plano de fondo incurvado, así como su permeabilidad. Recibe en 1985 el “Tomás Francisco Prieto”, de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, uno de los más importantes premios europeos de medallística. Es éste un momento de múltiples realizaciones en retratos escultóricos. En los años 90 un cierto brutalismo especulativo en sus piezas figurativas contrasta con el notable hermetismo en su obra de abstracción, claramente geométrica; (sobre este particular de la obra del escultor, versó la intervención de Julian Gil “Nuevo Arte Construido”, en el Coloquio Internacional sobre Abstracción Geométrica, celebrado en Calaceite,Teruel 1994).

En los últimos tiempos su obra es compacta; las formas geométricas se alternan con lo abstracto, y destacan las estructuras empleando el ensamblaje. Ferreiro Badia es especialista en la integración paisajística de obras de ingeniería y destacan sus intervenciones plásticas en obra civil.

09 marzo 2010

Cosas que sólo un artista puede hacer en el MARCO

MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Hasta el 2 de mayo. Visitas guiadas en el 986113900
Comisarios: David Arlandis y Javier Marroquí

Está el video, hace ya tiempo que lo quería traer por aquí, de Gianni Motti caminando los veintisiete kilometros de túnel del acelerador de partículas LHC (Large Hadron Colider) de Ginebra. Comenzó una mañana de mayo de 2005 cuando se comparó con un protón y partió en busca del Anti-Motti. Además hay instalación, fotografía, video, performance, nombres, humor y cabeza.


NOTA DE PRENSA:

El MARCO de Vigo estrena la programación de 2010 con un proyecto colectivo coproducido con el MEIAC de Badajoz y comisariado por David Arlandis y Javier Marroquí. ‘Cosas que sólo un artista puede hacer’ surge como parte de un trabajo curatorial que desde el año 2005 analiza, desde diferentes perspectivas, los usos del humor en la producción artística actual.

En esta ocasión, el proyecto fija su atención en la aparición de ciertas actitudes en las que el humor se manifiesta de un modo próximo al absurdo. La exposición reúne trabajos de doce artistas que tienen en común su empeño en proyectos que han de implicar un gran esfuerzo. Un esfuerzo irracional y desproporcionado en relación con los resultados que se pretende obtener. En palabras de los comisarios, ‘Emprender una acción absurda o fuera de contexto siempre conlleva para quien la presencia una carga cómica, pero cuando además esa acción se desempeña de manera intensiva, con una dedicación absoluta y empleando un esfuerzo más que importante a sabiendas de que es un esfuerzo totalmente inútil, tenemos un absurdo al cuadrado y, por lo tanto, carga cómica al cuadrado. El esfuerzo actúa como elemento potenciador del absurdo; su función es la de exagerar. La exageración siempre ha tenido un papel importante en el humor al ser un elemento de distorsión que nos aleja de la realidad y nos lleva a lo cómico por medio de la incongruencia.’

Cosas que sólo un artista puede hacer’ tiene que ver con la evolución del concepto de artista, con el lugar que se le otorga en la sociedad y con la reconsideración de la función del arte. ¿Qué es lo que les hace llegar a extremos en los que lo absurdo y el humor pueden más que la razón práctica? Sin duda, una nueva actitud, una nueva forma de enfrentarse a su creación, y un modo de ubicarse en el mundo.

04 marzo 2010

Suzzane Lacy pasa por el Reina

Antonio Díaz Correa

Hace pocos días se presentó en el MNCARS El esqueleto tatuado, un proyecto a cargo de Suzanne Lacy, una de las figuras pioneras en las prácticas activistas en arte contemporáneo .

Desde comienzos de los setenta su obra mantiene como eje de fuerza la lucha feminista, planteando la proximidad de lo corporal y lo político en diversos formatos, ya sea como performance, taller o ensayo. En el primer caso me gusta bastante Three Weeks in May, realizado junto a Leslie Labowitz en el proyecto “The violence series”. Pero quizás es en su participación en los seminarios “City sites: artist and urban strategies” y su edición posterior Mapping the Terrain donde su trabajo ha obtenido más difusión en los últimos años.

No deja de ser interesante que a mediados de los noventa una serie de artistas y activistas se enfrentaran al todopoderoso National Endowment for the Arts, que desde los sesenta venía financiando un sinfín de proyectos de arte público con el Art in Public Places Program. En el texto se hacía ya explícito el giro contextual que desde hace algunos años azota a las prácticas artísticas. Pero no nos confundamos: si bien lo que en él se plantea tiene sus raíces en el arte políticamente comprometido, la noción de public art que utiliza no se refiere tanto a la democratización de las prácticas artísticas y la cultura experimental como a un arte en el que la materia plástica está formada por el mismo público. Un avance respecto del meteorito caido en la plaza mayor, pero quizás en su caso deberíamos hablar de arte de público o, mejor, arte participativo. Y en esta línea el trabajo de artistas como Suzanne Lacy o Judith F. Baca es, cuando menos, revelador: el artista como detonador de situaciones socialmente productivas.

01 marzo 2010

Algunos retazos de ARCO 2010

34 euros es el precio de una entrada para el público general, no se si es caro o barato Es cierto, los pasillos eran más anchos y todo parecía más cómodo Había menos personal en las galerías Definitivamente a los galeristas les gusta beber champán en público Por norma general son personas muy educadas y amables Las ventas superaron a las de 2009, lo más caro fue un par de obras de Bacon y Botero, pero eso no debería estar en ARCO La de los tres sacerdotes superpuestos la compró una señora belga por 50.000 euros (Señoras belgas que gastan sus fortunas en ARCO) Las nuevas tecnologías, la electrónica, el 2.0, no viene a ARCO. Sintomático No había provocación ni agitación ni innovación en los montajes. Bueno, ninguna Mucha fotografía y bastante obra ya vista Lo que sale en el telediario está rodeado de gente. Si además a la embajada de Israel no le gusta, hay masas Había mucha foto del objeto de consumo llamado Obama Pintaba muy bien que Los Ángeles fuese la ciudad invitada pero fue irrelevante Al menos ví tres maniquies, de tres autores diferentes, vestidos y de cara a la pared. Algunas Facultades hacen mucho daño Todo demasiado convencional, el modelo está obsoleto, pero había un montón de arte acojonante que pasará por aquí. Stop.