22 abril 2010

Retazos de Arco


En el último número de abril de ILikeMagazine hay entrevistas con The Very Best, Klaus & Kinsky, Electric President, Maika Makovsky, Nueva vulcano, Furguson, Teo Palacios...+ conciertos + discos + libros + exposiciones + diseño + etc. Podéis descargarlo aquí [pdf 7Mb] o suscribiros a la edición en papel a través de suscripciones@ilikemagazine.com (10 números 30€). Mi aportación en este número completa una entrada muy vaga sobre arco que puse por aquí hace un par de meses.

Retazos de ARCO 2010

Hace unos días terminó ARCO, la Feria de Arte Internacional que desde hace veintinueve años se celebra en Madrid, y que es, en palabras ficticias de José Luis Moreno, La Gran Fiesta Del Arte Español. La semana que dura la feria es prácticamente el único momento en todo el año en que se habla de arte contemporáneo en medios de comunicación generalistas in this country (a no ser que algún suceso rompa la norma, pongamos por ejemplo que unos ladrones roben una escultura de 38 toneladas de Richard Serra en un museo importante de la capital o que algunos políticos de alguna región donde se dan bien las naranjas se dediquen a censurar fotografías de políticos en una exposición y no dimitan al día siguiente, ese tipo incidentes extravagantes que sólo ocurren en países lejanos y atrasados). Por tanto, es en estos cinco días cuando una parte del arte español más oficialista muestra sus mejores galas ante medios y público buscando básicamente dos cosas, prestigio y beneficio económico.

De esos cinco días, un par son exclusivamente para profesionales y el resto para público general, mujeres y niños. El precio de la entrada general sin catálogo son 34 euros, que haciendo el cambio al sistema de medición español en cubatas y campos de fútbol, equivale a siete copazos más tres euros, un chupito, que vale el ropero. No se si es caro o barato en relación a los costes, que cada cual lo valore, pero parece evidente que no es fácil para una mayoría pagar por ejemplo tres entradas, los padres y el niño (102 euros), para poder disfrutar una tarde de domingo de una parte importante del panorama artístico contemporáneo en un espacio dirigido por un consorcio integrado por la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid, la Cámara de Comercio de Madrid y Caja Madrid, es decir, por la cosa pública, encargada de promocionar y acercar la cultura y tal. Algo no funciona.

También es consustancial a Arco la polémica que se arma cada año en torno a los criterios de valoración para admitir a las galerías, para lo cual hay varios comités asignados, asesores y ejecutivos. El resultado final es una mezcla entre mercado y política hardcore española que llena unas cuantas páginas en prensa los días previos pero nos aburre soberanamente, todo lo contrario que la feria en sí, un lugar más estimulante y entretenido de lo que la mayoría cree. Arco es un indicador necesario para tomar el pulso al mercado del arte español. Y este año indicó que hay crisis económica, y en parte, creativa. La económica se notó sobre todo en los pasillos, más anchos de lo habitual porque hubo menos galerías que en años anteriores. La crisis creativa es más subjetiva, entremos.

Y de entrada, pues si, Arco es una feria divertida. En cuanto pasamos los controles de los enormes pabellones de IFEMA comenzamos a cruzarnos con una fauna muy variada: periodistas con prisas, galeristas a los que les gusta beber champán en público, estudiantes de bellas artes copiando buscando inspiración, estudiantes de instituto buscando el Burger Kink, snobs, ricos, paseantes, y yo, que estoy por encima del bien y del mal. Y es aquí donde comenzamos a cubrir etapas. La primera, visitar las galerías del país invitado. En esta ocasión se hizo una excepción y se invitó a una ciudad, Los Ángeles, ahí es nada. Las expectativas eran altas, joder es la ciudad de los Lakers, de Hockney, de los Doors, de Chinatown y Pulp Fiction, de las palmeras y Dexter Gordon. Fue un bluf, una presencia de galerías menores con obra irrelevante, a excepción del histórico Baldessari (I will not make more boring art).

En la segunda etapa se trata de visitar lo que llamaremos el escándalo de broma. En Arco todos los años hay alguna obra que causa susto y picores en las fuerzas del bien y se convierte en lugar de peregrinación de masas. Este año la suerte le tocó a uno que suele jugar muchas papeletas, Eugenio Merino (Madrid, 1975). Presentó una escultura titulada como el clásico de Led Zeppelin “Stairway to heaven”. La pieza consistía en un árabe agachado rezando, un cura católico sobre su espalda y encima un rabino judío, y no la pongo aquí porque ya la visteis demasiado en el telediario. En fin, la embajada de Israel protestó, todos felices, y finalmente la compró una señora belga por 50.000 euros (señoras belgas que gastan sus fortunas en Arco).
Y la tercera y agotadora última etapa consiste en caminar/ver el resto de galerías de los tres pabellones hasta la hora de cierre y jugar a hacer un top3 en el metro de vuelta [Imágenes]. Bronce para Pier Stockholm (Lima, 1977) en la Galería Lucía de la Puente, jugando con arquitecturas utópicas y diseños limpios. La plata para el sujetador con cuchillas de Nazareth Pacheco (Brasil, 1961) en la Galería Casa Triângulo, sugiriendo erotismo en la amenza. Y lo que más me gustó, un gold en toda regla, el trabajo que trajeron los de La Fábrica de la mítica exploradora Marina Abramovic (Belgrado, 1946), la que nunca falla. The kitchen es un trabajo de performance y fotografía ubicado en la cocina de La Laboral de Gijón, retratada tal y como se la encontró, e inspirado en textos de Santa Teresa de Jesús sobre éxtasis y levitaciones. El resultado son imágenes muy penetrantes, casi cinematográficas, cargadas de contrastes visuales y simbólicos

Por lo demás, Arco es una feria cada vez más convencional de lo que debería y aparenta. Un espacio en el que apenas coexisten las nuevas tecnologías ni el 2.0 y donde la sensación de estar viendo obra repetida es constante (cuanto daño hacen algunas facultades de Bellas Artes). Una feria que huye de la necesidad urgente de reconversión, de unir discursos y contextos, de definirse y renunciar a delirios de grandeza. Arco no es Miami ni Basilea, tendría que limitarse a asumir con acierto el digno papel de lugar de encuentro e intercambio de ideas que los artistas españoles eiberoamericanos reclaman y merecen, sin esperar únicamente a contar el número de stands y que tanto por ciento de ventas se incrementa cada año.  Porque si la calidad baja, no se sostendrá. En este caso, menos es más.

Andrés Rodríguez Morado

21 abril 2010

Correspondencias sonoras no CGAC

Correspondencias sonoras é un ciclo de concertos entre abril e decembro no Centro Galego de Arte Contemporáneo. Serán no auditorio ás 20:30 e a entrada é de balde. O primeiro é o vindeiro martes 27 de abril a cargo do cuarteto de saxofóns S@X21, e estará ligado á actual exposición de arte povera do italiano Gilberto Zorio.

S@X21, máis alá da tradicional concepción de cuarteto de saxofóns, articúlase en múltiplas combinacións e permutacións instrumentais, e ofrece un gran dinamismo e versatilidade nas súas actuacións. Os seus espectáculos, e os programas que os configuran, caracterízanse polo aproveitamento dos espazos escénicos e por un gran dinamismo e creatividade sonora e visual. Cunha ampla actividade, tanto individual como de grupo, realizaron numerosos concertos e participaron en festivais e congresos; así mesmo organizaron diferentes actividades arredor da creación e da interpretación da música contemporánea e apostaron por novas creacións de compositores galegos (Fernando Buide, Ángel Faraldo, Jesús González, Xabier Mariño, Antón Pulido, Eduardo Soutullo) españois e internacionais (Gabriel Erkoreka, David del Puerto, Pedro Rebelo, Luca Mosca, Pedro Moreira, Helmut Oehring, Christophe Havel, Kevin Mayo, Eckart Beinke, José Luis Campana).

19 abril 2010

Pásalo

Premio Internacional Bienal de Artes Plásticas Fundación María José Jove. dirigido a todos aquellos artistas menores de 35 años. Con un nuevo formato con respecto a las pasadas ediciones, las propuestas artisticas que se recogen en la convocatoria incluyen pintura, escultura, fotografía y otros soportes. Con una dotación económica de 27.000 euros, el certamen está abierto a artistas de todas las nacionalidades. Además de las obras ganadoras, se realizará entre las propuestas presentadas una selección de 15 obras que serán objeto de un catálogo y exposición en la sede de la fundación. Descargar BASES.

X Premio de fotografía para artistas jóvenes El Cultural. Por décimo año consecutivo la revista El Cultural convoca su Premio de Fotografía para Artistas Jóvenes que en su edición anterior ganó Greta Alfaro (Pamplona, 1977). Un jurado compuesto por críticos de arte de EL CULTURAL, además de la galerista Marta Cervera, será el encargado de seleccionar entre todos los participantes al ganador de esta edición que recibirá 5.000 euros para la producción de una exposición individual en la Galería Marta Cervera de Madrid. La muestra se celebrará coincidiendo con el festival de fotografía PHotoEspaña, y además, como viene siendo habitual, EL CULTURAL publicará en sus páginas un dossier con las fotografías del ganador. El concurso está dirigido a todos los artistas, no mayores de 35 años, que no hayan expuesto su obra de forma individual en una galería comercial. Deberán participar con obras de tema y técnica libres, originales, inéditas y no premiadas en otros certámenes. Bases

16 abril 2010

Cousas

O pilar ou soporte máis xenuinamente galego, o máis empregado en miradoiros e cabazos, é achaflanado nos cantos. Non é estrictamente cadrado nin redondo, non sube nin baixa. Contouno o pasado domingo Felipe Senén.

09 abril 2010

[Jornadas MUAU] Graffiti: We are unstoppable

Fotografía Henry Chalfant

Ayer en A Coruña se celebró la charla Graffiti: historia, evolución e futuro, organizda por el MUAU.

Hablaron tres ponentes. El primero fue el americano Henry Chalfant, uno de los fotógrafos más prestigiosos de la cultura urbana con uno de los archivos de graffiti más nutridos del mundo y fotografía expuesta en el Metropolitan de NY, entre otros. Es el director de la investigación de fondo y fotodocumentación de StyleWars, el mítico documental que hizo crecer exponencialmente las ventas de sprays de aerosol para pintar automóviles en 1983 en EEUU, y un par de años después en España. Chalfant fue dejando de lado su actividad como escultor cuando le llamó la atención el desarrollo de un arte nuevo a finales de los 70, los arcaicos graffitis de las pandillas de Nueva York para marcar sus territorios. Atraído por el punto de rebeldía y enfrentamiento al sistema de aquellos pioneros, se encontró con un mundo cerrado, la vieja escuela. Se le ocurrió entonces utilizar sus fotografías de graffitis en vagones del metro como pasaporte para acercarse a las pandillas, logrando una comunicación invisible a través de mensajes que le dejaban escritos en los trenes anunciando el lugar de las próximas intervenciones. Chalfant indicó como hito fundacional el primer vagón entero pintado, whole car, en 1975, el mismo año en que se casaron mis padres, y eso lo dejo ahí. Para poder fotografiarlo en movimiento con las máquinas de entonces, ideó un sistema por el cual la cámara permanece en un punto con avance automático de la película mientras el tren avanza, resultando una sóla imágen delantera recta de varios marcos que posteriormente une. A partir de entonces se tomó esta técnica como estándar internacional para fotografiar trenes. Para Chalfant el graffiti nació porque los chicos estaban organizados y libres, hay vandalismo, sí, pero también creación. Nace en las cenizas de la ciudad, como una historia heróica. Habló de una generación que en parte fue posteriormente destruída por el crack y definió la situación actual del graffiti como una cuestión de derechos civiles y censura. Toda la ponencia la acompañó de imágenes brutales del Bronx de los 80.

El segundo de los ponentes fue un representate de la casa Montana Colors. Una marca mítica de sprays de aerosol exclusiva para graffiti. Contó que el fundador de la marca, Jordi Rubio, era representante comercial de la marca de pintura industrial Felton en 1993. Realizando un análisis de mercado rutinario observó que una de las tiendas de jardinería a la que suministraban daba resultados extraordinarios de ventas respecto al resto. A partir de ahí descubre que el dependiente de la tienda es un graffitero que comparte su pasión con otros amigos que van a la tienda a abastecerse. Jordi propone a Felton la idea de suministrar a los chicos especializando el producto para aumentar las ventas, pero la empresa desecha la idea por cuestión de imagen, el graffiti era simple vandalismo. Decide entonces abandonar la empresa y montar el negocio por su cuenta al año siguiente, Montana Colors, en 1994. Produce un spray específico para escritores de graffiti, variando tamaños, presiones y colores, con un coste ajustado. Se corrió la voz y comenzaron a llegar furgonetas de media europa para recargar producto, y hasta hoy, todo un éxito comercial. No hubo imágenes.

El tercero en hablar fue ELTONO, ejecutor independiente del espacio público franco-español. Contó como ha ido dejando atrás el spray, que cogió por primera vez en los suburbios de Paris en 1989, por la brocha. Su obra busca integrarse en la arquitectura y tiende a la forma geométrica pura [galería]. Dio a entender que eso le ha granjeado enemigos por doquier. Le costó huir del discurso contradictorio entre lo que es, un top del street art reconocido, y lo que el público mayoritario pata negra en aquella sala quería escuchar, un discurso antisistema con capucha. Tampoco hubo imágenes.

08 abril 2010

Pintalatas

PAINTINGCANS The Book
Digital Book Edition
184 pages / size: 20 x 15 cm.
// FREE DOWNLOAD HERE //
Buscan editor/impresor



Desechando convencionalismos que limiten la creación, utilizando materiales sin coste y de fácil acceso, nace Paitingcans, un proyecto artístico de colaboración abierta, creado por Confusion Group, con el que esperamos que nos des la lata. Esta iniciativa pretende impulsar la utilización de este soporte, cuya función en lo cotidiano se limita al momento del consumo, para la creación y divulgación del arte independiente. 81 artistas de todo el mundo con 167 colaboraciones. La web aquí.

05 abril 2010

Involucionar y evolucionar


A Coruña es una ciudad difícil para la arquitectura, la potencia del paisaje marítimo es una competencia desleal. Pero a veces sale bien. Por ejemplo la sede de la Fundación Luis Seoane, un proyecto del estudio CREUSeCARRASCO del año 2003. Se levantó en el lugar del antiguo Cuartel de Macanaz (1703), del que se conservaron las losas y los pilares de granito originales del patio de armas. El resto es nuevo. En el libro A casa contemporánea en Galicia, Plácido Lizancos habla de una categoría de arquitectura gallega más o menos reciente, la involucionada. La relaciona con emigrantes que retornan y en sus nuevas viviendas reproducen elementos tradicionales de la arquitectura gallega a lo Frank Sinatra, es decir, ó seu xeito. La querencia gallega de arrastrar los símbolos. A su manera, también este edificio lo hace, con elegancia, en la fachada. En forma de ola atlántica con una doble piel de grandes losas de granito, evocando las horizontales de los hórreos de cantera bergantiñanos. Involucionar y evolucionar.