31 marzo 2011

Campo adentro

Guisantes asomando nunha hora en Oleiros o pasado febreiro

Cágome no medio rural, os da cidade veñen, ay ay, cuanto aire limpio, que bello paisaje, que lindos arbolitos. Non pasa ningún día sen que mexe no millo. Isto é o que canta Emilio José, o de Ourense, non aquel cantante moñas dos sesenta ou sesenta, vai a saber, no tema Sta. Uxia do disco Chorando apréndese (escoitar en Spotify). Os da cidade van ó campo, que é distinto que vivir no campo. Pareceume moi interesante esta proposta chamada Campo Adentro, que coñecín a través do facebook dun amigo, na que se ofrece un programa de residencias a artistas de diversas idades e procedencias, urbanas e rurais, para levar a cabo proxectos en entornos rurais. Aquí se pode coñecer ós artistas seleccionados, e en campoadentro.es toda a información.

26 marzo 2011

London Street Photography

* London Street Photography
  Museum of London (dirección y horarios)
  Hasta el 4 de septiembre


 Brick Lane, 1978 Paul Trevor

En la city, como una especie de prolongación del Barbican Centre, el centro cultural más grande de Europa y uno de los edificios más feos de Inglaterra, está el Musuem of London. Es la zona más antigua de la ciudad, la de las ruinas romanas, y la más pujante, el metro cuadrado más caro de Europa (sólo residen 9.000 personas aunque entramos y salimos para trabajar más de 300.000 cada día). Zona de corbata y tacón fino, menús precocinados y cristales tintados. El café a 3,50£.

No es fácil encontrar el Museum of London, confundidos por las numerosas entradas, algunas cerradas por obras, los puentes que conectan las diferentes alas y las terrazas que entorpecen el paso. El vestíbulo es amplio, la sofisticación y funcionalidad que han alcanzado los ingleses en estos espacios aparentemente secundarios, y de reciente puesta en en valor en España, es formidable. El hito compositivo sería la reforma de Norman Foster en el British. Cafetería, tienda, recepción, información, ambiente diferenciado. Paras, respiras, te preparas y te zambulles.

Entramos a una institución que se fundó en 1976, el año en que Saul Bellow ganó el Pulitzer por El legado de Humbodlt y nació Diego Tristán, artista de La Algaba, comprando y juntando varias colecciones privadas que cuentan la historia de Londres, desde la prehistoria, pasando por el gran incendio de 1666, hasta hoy. Pero esta vez hemos venido a ver la exposición temporal: London Street Photography. Doscientas fotos de Londres, de 1860 a 2010. Recorrido cronológico, apenas texto, montaje muy elemental.

Titulares y tags.  Del sepia al color. La primera etapa va desde 1860 hasta 1889. La prehistoria de la fotografía, pioneros cargando con equipos estereostópicos rudimentarios, apenas hay movimiento por los largos tiempos de exposición necesarios. La mayoría son fotografías a arquitecturas urbanas. Segunda etapa, de 1890 a 1929, the street camera was born, la metrópoli en movmiento. Picadilly Circus 1890 de Charles A Wilson: grandes arquitecturas neoclásicas entre caminos de barro y carrozas tiradas por caballos, como en aquellas fotografías de Ruth Matilda Anderson en los cantones de A Coruña a principios de siglo. Tercera etapa, de 1930 a 1945, los críticos, la fotografía como espejo de la sociedad, importante influencia de la inmigración del este, viento frío, expresionismo. Fog at Cambridge Circus, Charing Cross Road, de Wolfgang Suschitzky. Siguiente etapa, de 1946 a 1979, traumas después de la guerra, cambios sociales, influencia americana en aspiraciones y paisajes. El fotógrafo es parte del entramado cultural, es moderno. Fotografía de la calle, del cambio, documenta. Group of skinheads & hippies in Picadilly Circus 1969, de Terry Spencer. Y la última, de 1980 a 2010, color y mercado del arte, lo conceptual y lo digital. Todos hacemos fotos, nuevas formas de compartir, nuevas vías de exposición. También nuevas leyes anti-terror: el fotógrafo es sospechoso. Rosemary woks 2009, de Chris Rolley Brown, Oxford Street 1995, de Richard Bram.

22 marzo 2011

30 St Mary Axe


Hace cuatro años, a última hora de una tarde de abril, me crucé con Norman Foster en un pasillo de la facultad. No hubiese sabido que era él sino me lo hubiese advertido un profesor, que después le hizo una foto. Era un turista más de los que pasean por Santiago, pasaba por allí. Iba sólo, sin mochila, con un jersey de cuello vuelto y pantalones de pana*, y caminaba con las manos unidas en la espalda y el mentón levantado, como van las personas que se fijan.

De alguna manera, y de un tiempo a esta parte, me lo vuelvo a cruzar cada mañana de camino al trabajo. Cuando el tren llega a la altura de Stamford Hill, el barrio judio, comienza a distinguirse en el horizonte la torre 30 St Mary Axe, diseñada por Foster + Partners, y se va aproximando a ella como si se tratase de un enorme polo magnético, hasta dejarme a 100 metros del pepinillo, The Gherkin, como también la llaman aquí. Es el rascacielos que ha perturbado definitivamente el skyline de Londres, el nuevo icono de la city y su músculo financiero. Cuando Woody Allen quiere mostrar en Match Point que sus personajes triunfan en los negocios, los sitúa trabajando en las oficinas de las plantas más altas.

Anteriormente, en este espacio, había otro inmueble propiedad de la Baltic Exchange, una empresa que gestionaba el alquiler y venta de buques, pero en 1992 una bomba del IRA lo dejó practicamente en ruinas. Durante los años siguientes Patrimonio Inglés peleó para recuperar y restaurar al menos la fachada, y tal vez posteriormente reconstruir el edificio, pero se descartó. En el 96, Foster presentó la Torre del Milenio, con una altura de 386 metros, más del doble que la actual, pero también se rechazó porque provocaría el desvio de vuelos con procedencia o destino en Heathrow. Cuatro años más tarde, sin embargo, la corporación municipal sí dio el consentimiento al actual proyecto (180 metros - 40 plantas) bajo la condición de que no tapase ninguna de las sight lines, una planificación que dicta los diferentes lugares alrededor de Londres desde los cuales se debe ver la cúpula de St Paul.

Algo que realmente llama la atención de la torre es la escasa presencia que tiene al nivel de la calle, apenas se percibe la inmediatez de una masa tan aparatosa y futurista. El diámetro es mayor en la zona media, como el éntasis de las columnas griegas que explicaba Andrés Rosende ("observen este capitel esbelto, sublime, espléndido, fantástico"), y remata en el llamado foco, separado por aros de la estructura princpal, con un diseño intencionadamente similar al que tenía la fachada del anterior edificio.

Me imagino que una rascacielos así se hace como estímulo para atraer nuevas inversiones, pero también que tendrá unos efectos medioambientales y unos niveles de consumo energéticos cuestionables  Me lo imagino, no lo se ciertamente. Me gusta, eso sí, el barroco helicoidal que lo envuelve, sus curvas aerodinámicas, como las del cohete de Tintín Objetivo: la luna, y el reflejo azul cobalto que proyecta en las tardes. Por lo que me cuentan y voy aprendiendo, el debate sobre la altura en de los edificios en Londres es eterno y feroz, y el pepinillo no ha hecho más que alimentarlo. Outra vaca no medio do millo.

* Tal vez no llevaba ni jersey de cuello vuelto ni pantalones de pana, pero así son las trampas de la memoria y sus reconstrucciones ficticias.

19 marzo 2011

Recados

 

Recados que han llegado estos días al email (nesnautica@gmail.com):
  • Medialab-Prado: Convocatoria abierta para recibir proyectos y trabajos teóricos sobre la visualización de infraestructuras (energéticas, transportes, comunicaciones...) para su desarrollo colaborativo en el taller que se celebra en Medialab-Prado del 14 de junio al 1 de julio. Visualizar es una línea de investigación y educación dirigida a explorar la cultura de los grandes datos y su impacto en la ciencia, la sociedad y las artes en la actualidad. Más en Visualizar'11.
  • Nueva exposición en el CGAC Abstracción Racional: "No longo periplo da abstracción, que logo vai cumprir un século da súa partida, foi constante a súa deriva en dous sentidos opostos e complementarios, ben polo camiño que prima a expresión inmediata, espontánea e direta, ben polo que se orienta segundo o cálculo, o rigor e a norma. Resulta constatable que nas dúas últimas décadas, pintores procedentes de tradicións nacionais tan diferenciadas como Richard Aldrich, José Loureiro, Nico Munuera e Juan Uslé coinciden, no entanto, nun entendemento común que sustenta as súas prácticas nunha base racional, que non constitúe nunca un sistema impositivo e pechado, e que se abre ao pulo momentáneo e impensado do artista."
  • Desde la Feria ART MADRID envían sus conclusiones, dicen que "La sexta edición de Art Madrid cerró sus puertas el pasado domingo consolidada defintivamente como una cita ineludibe para el arte español contemporáneo. En unos momentos de incertidumbre en el mercado del arte contemporáneo, la feria ha registrado nuevos récords de asistencia de publico, especialmente los dos últimos días, con más de 40.000 visitantes y con ventas ligeramente superiores a las de pasadas ediciones, sobre todo aquellas debidas a los coleccionistas privados. En este sentido, según una encuesta realizada por la organización entre los galeristas, éstos se muestran satisfechos en su mayoría y valoran positivamente la evolución del certamen".
  • El próximo 7 de abril, abren al público las dos nuevas exposiciones del Museo ABC de Dibujo e Ilustración: "La mirada del samurái. Los dibujos de Akira Kurosawa" y "Lorenzo Goñi : radiografías y retratos". La primera recoge los storyboard de Kurosawa para sus seis películas más conocidas; y la segunda, presenta una amplia selección de tres de las series más prestigiosas de Lorenzo Goñi presentes en la Colección ABC. Con estas exposiciones, el Museo ABC (Amaniel, 29-31 de Madrid) se suma a dos celebraciones, por una parte, el centenario del nacimiento de Goñi y, por otra, la culminación del "Año Kurosawa", también en el centenario de su nacimiento.
  • Vítor Mejuto expone en Gondomar (en la sala del IEM) una "escueta selección de mis piezas favoritas del último año y algún divertimento nuevo".
  • Hugo Costas expone en la Galería Metro de Santiago de Compostela, la muestra se llama "Pensar con las manos: Estudio de la anatomía de la imágen (más allá del deseo, más acá del fantasma)".
  • Fabio López "DOURONE" dice que es "de profesión ilustrador; y me dirijo a ustedes con la intención de enviaros mi trabajo para saber si existe la posibilidad de que en vuestra publicación dedicárais un espacio donde pueda enseñar y publicitar mi trabajo. Considero que es necesario dar a conocer mi labor para abrir campos futuros, por lo cual espero sea de vuestro agrado el material que os acerco. Desde ya y a la espera de una pronta respuesta, aprovecho la ocasión para saludaros y daros las gracias de antemano". Este es su portafolio.
  • Tomás Castaño y Salvador Nadal exponen en AEDAL Espacio de Arte.
  • Aldo Giannotti presenta en la Galería Rosa Santos de Valencia la muestra Lines and Square.
  • Carlos Alarcón expone Angustias en la Galería Beatriz Esguerra de Bogotá.
  • Eduardo García Villamizar expone Presencia en la Galería de arte contemporáneo Alonso Arte de Bogotá.
  • Susana Oza inaugura la exposición "Haciendo números" en la Galería Arte Imágen (C/Ramón y Cajal 5, A Coruña).
  • Sergi Robredo envía su último reportaje fotográfico en Borneo.

17 marzo 2011

El transporte de la obra de arte


Publicado por Laura Domínguez en el Blog de gestió museística de la Universidad Pompeu Fabra.

La empresa de transportes encargada de realizar el servicio no suele disponer de mucho tiempo para gestionar todo lo que implica este servicio por lo que, el grado de comunicación que debe establecerse entre el organizador de una exposición y el coordinador de exposiciones de la empresa de transporte es muy importante. Éste debe ser lo más ágil y eficaz posible por ambas partes para resolver cualquier imprevisto que pueda surgir.

El organizador facilita al coordinador una lista de las piezas que debe embalar y transportar al museo. Cuanto más detallado está el listado mejor más se agradece ya que el procedimiento es laborioso.  En primer lugar hay que separar del listado que nos han facilitado las obras nacionales de las internacionales. El segundo listado se subdivide en varios listados ya que a cada corresponsal sólo se le envían las obras que debe recoger en su país.

En referencia al embalaje y transporte nacional en primer lugar se debe confirmar con los prestadores las medidas de sus obras (altoxlargoxancho y peso) y, si es preciso construir caja de madera o se pueden recoger en protección. Los embalajes para el transporte de la pieza se estudian en función de las características técnicas de la obra (es muy diferente transportar una pintura que una escultura) y del modo en que deben viajar para llegar a la sede organizadora (aquí hablo de transporte terrestre, aéreo y marítimo). El modo de embalaje más utilizado es la caja de madera pero existen otros métodos de embalaje de las obras.

A continuación se pasa a realizar una primera ruta de transporte, aquí debe tenerse en cuenta si las obras pueden viajar en camión o en avión, si el prestador nos exige transporte directo al museo o bien si se puede concentrar varias obras en las instalaciones de la empresa de transportes. La modalidad de transporte más habitual es la terrestre y después la aérea. Cabe señalar que el transporte aéreo siempre viene precedido por un terrestre imprescindible tanto en origen como en destino. En el caso del transporte terrestre los vehículos deben tener numerosas características para garantizar la seguridad de las piezas durante su transporte. Los prestadores pueden exigir acompañamiento de escolta policial según una Orden Ministerial del 1997. Frecuentemente suele ser la Policía Nacional pero también se contratan servicios de escolta privada.  En el caso del transporte aéreo es importante que un representante de la empresa de transporte esté en todo momento junto con las obras para garantizar su seguridad. Este proceso incluye la entrega en el aeropuerto, su paletizaje, el tiempo de espera en la terminal de carga y la supervisión de la carga en el avión. Siempre debe contratarse vigilancia de control en pista de aeropuerto, tanto en origen como en destino.

Continuar leyendo ¿Y la importancia del transporte de la obra? en el Blog de Gestió Museística.

14 marzo 2011

Young Galician Artists


Tendes ollar con atención, pero aí están os bonecos, o Lardeiro e a Lardeira, enchidos de palla e pendurando polo pescozo no centro da praza maior durante tres días, ata o martes de carnaval. E os nenos van e veñen, domesticando a lóxica esquizofrénica do antroido, e non hai para tanto Charles Saatchi. E logo están Os Alternativos, coa disxuntiva de desfilar polas rúas de Viana do Bolo como os demáis, pero sen disfrace. As fotos son de Pedro Alberto Rodríguez Iturbe, meu pai, de quen xa viramos estas outras de romarias en Galicia.

Cansancio en la mirada

Fotografía que muestra los efectos del terremoto en Kisenuma, Japón, publicada en Público.
Creo que como a la mayoría, me impresionan las imágenes que van apareciendo en internet y televisión con las ruinas que ha dejado el tsunami en Japón. Hemos visto cientos de coches chocando sin control, barcos en tierra y casas enteras arrancadas y desplazadas como si fueran casas de muñecas. Esta tarde me he sorprendido buscando vídeos del tsunami, esperando ver una ola gigante como las de Hokusai, o uno de esos grandes desbordamientos del mar que va engullendo todo a su paso, pero paré pronto, porque me disgustó percatar el desapego y morbo con que lo hacía. Poco después terminé de leer La máquina de Joseph Walser, de Gonçalo M. Tavares, que me ha gustado bastante, y que, entre otros temas, habla del cansancio de la mirada y de la saturación estética en otro contexto también duro, el de la guerra.

http://3.bp.blogspot.com/_Act7bkVb_gE/TUgWdIUvwlI/AAAAAAAAEYI/BAjQ1eQswC0/s1600/comillasnegras.jpgLos cimientos de cualquier acontecimiento son frágiles, incluso los de la guerra. Ningún hecho es tan puro que sea definitivo o que encierre la historia:  lo indefinido avanza ya sobre lo que parece finalmente fijo: sacude primero la parte invisible que sostiene los grandes momentos, pero en poco tiempo se infiltran indicios de cambio en el mundo material.

A medida que pasan las semanas se hacía evidente que la guerra tendría que interrumpirse. Habia, por así decirlo y aunque resulte obsceno, una suerte de saturación estética: el modo en que la ciudad se fragmentaba se había  vuelto irritante, primero a los ojos, y poco a poco intolerable. Así pues, no se trataba tanto de una imposición moral o de sentimientos firmes que regresaban; era, por encima de todo, un cansancio en la mirada: la repetición de las imágenes se había vuelto excesiva; la exaltación temerosa frente a un cadáver había desaparecido, la violencia explícita había abandonado el espacio central de los relatos para ser integrada de modo objetivo y neutro en los informes. El "otro más" pronunciado ante los cadáveres se había vuelto más violento que la propia materia allí caída,  materia desprovista ya de algo humano que había desaparecido del mismo modo misterioso en que había aparecido, en el seno de la familia, el día de su nacimiento. El deseo de guerra se veía derrumbado, día tras día, a través de esa fórmula puramente verbal, sólo existente en el mundo del lenguaje, sin relación visible con el mundo de las cosas, ese "otro más". Era ese "otro más" lo que estaba acabando con la guerra. Porque la guerra se repetía desde hacía meses, y la sensación de haber visto esto antes empezaba a dominar hasta a los más ingenuos y los menos lúcidos.

07 marzo 2011

John Stezaker en la Whitechapel

* John Stezaker
Whitechapel Gallery, London (dirección y horarios)
Hasta el 28 de marzo


John Stezaker- Amor VI, 2006, collage.


Algo de historia. La Galería Whitechapel de Londres se fundó en 1901, año en el que, como diría Garci, nació el Club Atlético River Plate y Antón Chejov escribió Las tres hermanas. La situamos en el distrito de Tower Hamlets, el escenario de la mayoría de los crímenes de Jack el Destripador, un barrio tradicionalmente obrero, hoy transformado en un colorido y extraño cóctel que mezcla a la numerosa colonia bengalí con los cientos de aspirantes a artista que aterrizan cada día en la capital inglesa.

La Wahitechapel es de alguna manera un Salón de Otoño del arte contemporáneo, con categoría para relanzar a emergentes en exposiciones estacionales y consagrar a figuras con retrospectivas terminantes. El gran hito fue la exposición en 1958 This is tomorrow, en la que se plantaron las raíces del Pop Art y fue caldo de cultivo de lo que sería el Swinging London, la gran escena cultural que surgió en Londres en los 60, y que canalizó el optimismo de la recuperación económica tras el desastre de la Segunda Guerra Mundial. La musa entonces era Jean Shrimpton, a la que por cierto podríamos encajar facilmente en alguna temporada de Mad Men. En el 39 se expuso aquí el Guernica, la única vez que estuvo en Gran Bretaña, aunque esta vez lo devolvieron, que pensaría  un griego.  En 2009, antes de ayer,  la Whitechapel dio un gran salto incorporando el edificio contiguo de la antigua Parmons Edward Library, triplicando de esta manera el espacio expositivo, y comenzó entonces a abrir al público todos los días del año y a organizar proyectos educativos y de divulgación del arte, y a molar.

Pero vamos con el protagonista con apellido de mediocentro alemán que encabeza esta entrada: John Stezaker. Es británico y nació en 1949, el mismo año que mi padre y que Djavan. Fue redescubierto a finales de los 90 por el mercado del arte fundamentalmente  por la influencia que supuso para los Young British Artists. Ahora está de moda, como los bigotes flojeras indies. En los 70 fue uno de los primeros artistas británicos en subirse al conceptualismo y rechazar frontalmente el Pop Art, primero a través de la fotografía y sobre todo más tarde con el collage. Trabaja con imágenes que pueden ser fotogramas de películas, postales de época, retratos de celebridades o ilustraciones de libros. Muchas son reconocibles, la presencia de los mass media es una constante en sus 30 años de carrera. Esas imágenes son recortadas, volteadas, duplicadas y extirpadas de su contexto para crear una obra nueva y única, un nuevo significado. 

La mayoría de trabajos de los 70 que aquí vemos son en blanco y negro, la belleza convertida en monstruo a través de rostros enfrentados con postales de paisajes superpuestas, como un rompecabezas siniestro, o fotogramas de películas con recortes en blanco de forma paralelepípeda (ouch), como si debiéramos llenar esos huecos con nuestra propia formulación de los pensamientos de los sujetos. Esa serie se llama Tábula rasa, la que más me gustó. En la década de los 80 introduce más (techni)color, y aunque varían los tamaños y quizá haya algo más de abstracción, la figuración se mantiene. En los últimos años lo más destacado y reproducido son los retratos de las old celebrities (ahí va que chorrazo!), a las que sitúa  una línea frontal a la altura de los ojos duplicada, como la imágen que encabeza este texto y el catálogo de la exposición. Grandes efectos, leves modificaciones. Como en política. 

No hay un orden cronológico claro en el recorrido, o al menos no fui capaz de leerlo. Tampoco se si supe leer estos noventa collages minimalistas que muestran absurdamente una cultura popular primitiva en los ojos saturados del espectador moderno, aunque tal vez de eso se trate.La mayoría están enmaracados en sencillas tablillas de madera lacada sobre fondos blancos, iluminadas con una luz tenue que acentúa los trazos irregulares del corte que dejaron las tijeras,  y los restos del grafito, en impecables horizontales y verticales trazadas con escuadra y cartabón. Todo es tan correcto en los collages de John Stezaker, tan pulcro y brillante, que a la salida la vida era una piedra en la que tropezar.