25 diciembre 2012

A situación do modelo museístico galego

Os directores dos museos galegos de arte contemporánea máis destacados pechan o ano cunha valoración para ART234 da situación que atravesa o actual modelo, do que se ten feito e do que se poderá facer. Agardo engadir tamén as respostas do director do CGAC, aprazadas por indisposición.

1.- Cal pensa que é o grao de coñecemento da institución que dirixe na sociedade galega? Cómo o valora?
2.- Cómo lles afectan as tesoiradas? Qué razóns lle deron?
3.- A qué presente estanse a enfrontar e que plantexamentos de futuro fai?
4.- En qué medida pensa que existe unha rede colaborativa artística galega?
5.- Cómo observa a Cidade da Cultura do Gaiás? 

Iñaki Martinez Antelo, MARCO (Vigo)
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Fotografía do Marco
1. MARCO ven de cumprir dez anos; un bo momento para reflexionar e facer un exercicio de avaliación, de obxectivos cumpridos e do que queda por facer. No que respecta ao grao de coñecemento na sociedade, a valoración para nós é positiva, especialmente se falamos do entorno máis próximo. Penso que, como institución, xerou unha demanda, e continúa a ofrecer un servizo necesario á cidadanía, a un público cada vez máis participativo e esixente. Máis aló das exposicións temporais, o MARCO puxo en marcha dende o inicio unha programación estable de actividades complementarias e varias liñas de programas educativos e de formación, que, xunto coa creación e consolidación da Agrupación de Amigos, foron clave para unha mellor recepción por parte do público, para un maior coñecemento e achegamento por parte da sociedade.

2.- A situación é, de feito, moi complicada.Se vemos o estado en que se atopa a sanidade, a educación ou a investigación, podemos imaxinar a precariedade no eido da cultura.Estamos procurando unha viabilidade ou equilibrio orzamentario con cada vez máis escasos recursos. Por suposto, contar con menos financiación supón non poder abordar certos proxectos e coidar ata o último detalle dos que temos en marcha. O noso obxectivo neste momento céntrase en manter a calidade da programación, recurrindo a fórmulas como cofinanciación, traballo en rede, patrocinios, ou proxectos de maior duración, pero tamén defendendo a necesidade de que se manteña o apoio institucional a un sector que non só é clave respecto ao coñecemento e a formación, senón tamén na economía e na creación de postos de traballo. Lamentablemente, os recortes non veñen acompañados dunha análise razoada.

3.- Para min, o maior perigo é que se poida botar por terra en pouco tempo o que se tardou moitos anos en construír: un conxunto estable de infraestruturas e iniciativas culturais, e unha maior profesionalización e especialización de todo un sector: artistas, xestores, galerías, críticos, comisarios, profesorado, coleccionistas, medios de comunicación, publicacións… A nosa prioridade hoxe é resistir de forma activa, e poder ofrecer unha programación rigorosa e de interese que conecte coa situación actual. Enfrontámonos tamén a un cambio nas políticas de financiación e debemos esforzarnos por conseguir implicar máis á empresa privada, pero para iso precisamos tamén de apoio por parte das institucións.

4.- Penso que, no que atinxe á arte contemporánea, existe unha rede de contactos e colaboración, quizais máis fructífera en anos recentes, e que agora pode esmorecer por efecto da crise e dunha tendencia a certo ‘ensimismamento’. Dende o MARCO temos colaborado con multitude de centros, colectivos e asociacións de distintos puntos de Galicia, non só na coprodución de exposicións senón tamén en programación de actividades. Entendo que a análise dende a proximidade axúdanos a a situarnos mellor.

5.- Penso que calquera proxecto debe responder a unha estratexia e a uns obxectivos coidadosamente definidos, sobre todo nun período de tremenda escasez como o actual. Resulta moi preocupante cando non se detecta unha relación causa-efecto, cando o custo de investimento non parece gardar proporción cos resultados, e non me refiro unicamente ao número de usuarios, senón ao impacto real dun proxecto como a Cidade da Cultura no contexto de Galicia. Un museo ou centro cultural non pode estar baseado nunha infraestrutura, senón no traballo, nos proxectos, e na súa xestión.

Carmen Fernández Rivera, MAC (A Coruña)
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Fotografía de Vítor Mejuto
1.- Museo de Arte Contemporáneo (MAC) foi evolucionando nestes últimos 7 anos e na actualidade é un espazo onde conseguimos conectar cos visitantes; facer propostas expositivas que lles interesan e contar coa súa asistencia nas actividades que organizamos. Por sorte, o noso público non vén só da Coruña, e en moitos dos  nosos cursos e exposicións contamos con asistentes das cidades próximas e  mesmo do resto de España. Desde o ano 2005 fomos crecendo en número de visitantes nun 500%. O noso obxectivo é continuar o noso labor cultural e incrementar a nosa visibilidade en Galicia e impulsar aos artistas galegos e a nosa actividade fóra de Galicia e de España.

2.- O noso orzamento está en liña cos anos anteriores. Ampliamos as nosas propostas e desenvolvemos programas novos como as Residencias no Museo, para artistas locais e internacionais, co fin de apoiar a produción e investigación artística. Este próximo ano manteremos todos o noso programas e algúns veranse incrementados, o que nos enche de satisfacción.

3.- O noso principal interese é que o Museo sexa un espazo dinámico e aberto, que nestes tempos difíciles apoie a creación, a investigación e innovación  dos nosos novos artistas galegos, en colaboración con novos artistas doutros países.

4.- Están xurdindo tímidamente propostas que se poden ir consolidando, é o bo dos tempos de crises. Os programas de autoxestión que, noutros países levan anos funcionando, aquí poden comezar a xurdir agora con mais forza.

5.- É importante que exista un plan estratéxico para dotar a ese espazo de verdadeira personalidade e realizar accións e exposicións cunha líña de traballo continuado.


Beatriz González Loroño, Cidade da Cultura (Santiago)
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Fotografía da Xunta de Galicia
1.- Coido que practicamente todos os galegos coñecen a Cidade da Cultura. Aínda que leva só dous anos aberta ao público xa foron máis de medio millón as persoas que se teñen achegado ao Gaiás. O proxecto púxose en marcha no ano 1999 e dende entón tanto o propio espazo como a programación cultural que se desenvolve ten presenza nos medios de comunicación, tanto nos de información xeral como nas publicacións especializadas. Ademais, nestes últimos meses téñense organizado eventos que contribuíron a incrementar o seu grado de coñecemento fora de Galicia, como o concerto de Björk, o feito de ser seleccionada para acoller o WOMEX 2014, a feira de world music máis importante do mundo ou a organización de foros internacionais, coa participación de institucións como a Tate, o British Museum ou o Thyssen, por citar algúns exemplos.

2.- A Xunta ten reducido a transferencia á Fundación da Cidade da Cultura nos orzamentos autonómicos dos últimos anos, redución que se enmarca dentro da necesidade de optimizar os recursos públicos ante o contexto económico no que nos atopamos. Unha das consecuencias máis visibles foi a decisión de paralizar as obras nos dous edificios pendentes.

3.- Coa aprobación do Plan Gaiás, a Cidade da Cultura está dando pasos para converterse nunha infraestrutura cultural sostible a través da entrada de capital privado vía patrocinios e outras fórmulas. Además, queremos avanzar incrementado a súa rendabilidade social e consolidándoa como unha ferramenta para dinamizar o tecido de industrias culturais. Nos próximos anos veremos como a Cidade da Cultura operará como unha potente plataforma para internacionalizar as nosas industrias culturais. Neste contexto económico, moitas empresas buscan na apertura a outros mercados a súa solución de futuro. En boa medida a cultura afronta tamén este desafío e creo que o Gaiás pode ser de moita axuda.

4.- Penso que existe moita xente do sector que entende que unindo os esforzos e recursos de todos poderase acadar un futuro mellor para a cultura galega. Neste dous anos temos organizado actividades de traballo en rede que teñen ofrecido moi bos resultados.

5.- Cómo pensa que é observada a Cidade da Cultura por outros espazos artisticos galegos e de fóra?
En canto aos centros culturais galegos, o Gaiás ten demostrado nesta fase inicial que está para sumar, e o ten feito ofrecendo unha programación cultural diferente, apoiando todo canto de bo se estaba a facer para aumentar a súa proxección e ofrecendo os seus recursos para que agromen novas iniciativas. En canto aos centros culturais do resto de España e de fora do noso país, iniciativas como o Foro Internacional de Espazos para a Cultura ten traído ao Gaiás a institucións como o MoMA, o Pompidou, a TATE, ou o British Museum, que, a bon seguro, nos vindeiros anos abrirán interesantes proxectos de colaboración.

12 diciembre 2012

El salón de los rechazados













LaFiac.com es una exposición online que se celebra desde 2010 y que une a diferentes generaciones de artistas que utilizan internet como medio. Este año han escogido el tema The end of a World. Se creó en oposición y como crítica a la Fiac, la Feria de Arte Contemporáneo de París, que no da cabida al net.art. La interfaz de la exposición está muy bien pensada para dar un cómodo paseo por algunos de los mejores proyectos del año. Parte de la pintura de Brueghel Tha fall of the rebel angels y se basa en la iconografía de Facebook: para encontrar las obras hay que buscar entre los ángeles. La fotografía que acompaña este texto es una imágen de una de las piezas que más me gustaron, Family of Silence de Linda Suthiry.


10 diciembre 2012

Place to be 1


Jan Both y Cornelis van Poelenburgh, Paisaje y Juicio a París, 1645-50

25 noviembre 2012

Culturgal 2012 Pontevedra

Culturgal é a Feira das industrias culturais galegas. Artes escénicas, libro, creación audiovisual, deseño, internet e novas tecnoloxías. A radiografía anual de boa parte da cultura galega, desta vez no Pazo da cultura de Pontevedra do 30 de novembro o 2 de decembro. O PDF do programa aquí.




18 noviembre 2012

Influencias en la fotografía contemporánea y los putos gatitos



Tomamos la District Line. Sabía que nos llevaría más tiempo que yendo por la Central, pero no me importaba, no va tan llena y los vagones son más anchos. Antes no le daba importancia a estas cosas ni me dolía la rodilla. También pensaba que hacerse mayor eran manías de los demás.

Nos bajamos en Embankment, tomamos un tinto en el inevitable Gordons Wine y nos acercamos a la National Gallery, el quinto museo más visitado del mundo. La entrada a la exposición Seduced by art: Photography Past and Present no es por la puerta principal, es por un edificio anexo que levantaron Roberto Venturi y James Stirling en 1991, conocido como The Sainsbury Wing. Allí todo tiene un cierto aire posmoderno, desde la fachada brutalista, descompuesta, perpetrando una transformación deliberada de formas clásicas, hasta el nombre, el mismo que el de una de las dos cadenas de supermercados más grandes del Reino Unido, Sainsbury´s. Lord Sainsbury, miembro de la Cámara de los Lores por el Partido Laborista, es el dueño. Tiene además una de las mejores colecciones de arte contemporáneo del mundo y suele hacer donaciones importantes a centros de arte. En este caso dio cincuenta millones de libras y eso es muy meritorio. Sabemos que en los países anglosajones, y cada vez también más en los no anglosajones, se suele poner el nombre del donante a aquello que saca provecho de la donación, y nada puede uno que objetar ahí cuando es un ámbito privado. Pero hay que alertarse cuando una institución pública, en este caso con el 80% del presupuesto financiado por el Estado Británico, está dispuesta a adquirir una identidad fraudulenta a cambio de dinero. Y aunque nos acostumbremos, que lo pretenderán, será siendo igual de repugnante.

La entrada vale 15 libras, unos 18 euros. Después irá a Madrid y Barcelona. En total no se llega al centenar de obras, la mayoría de ellas son de la propia National Gallery, apenas hay aportaciones de fuera por lo que los costos no debieron ser altos. La mayoría de la gente que vimos dentro era blanca y mayor de 30 años, un martes frío a las cinco de la tarde.

Es la primera vez que la National Gallery combina fotografía y pintura en una exposición, para algunos llega tarde y para otros nunca debió llegar. El contenido intenta explorar las relaciones entre la pintura tradicional y la fotografía, descifrar cómo algunos de los grandes maestros de la pintura siguen inspirando a fotógrafos contemporáneos a través de brotes de creatividad, más o menos irracionales, que ni ellos son a veces capaces de intuir. Desde algunas obras primitivas que ya tuvieron proyección internacional en su momento, con con el habitual trauma inglés haciendo hincapié en los tiempos victorianos, hasta la fotografía social de estos últimos años.

Buena parte de la muestra se basa en reconstrucciones contemporáneas que llamaban mucho la atención a los visitantes y que puede que ya hayas visto en las redes sociales, especialmente las de Maisie Broadhead, tan kitsch. No fue lo que más nos interesó. Pero vimos otras pinturas, junto a las fotografías que las referencian, que sí resultaron ser buenos ejemplos para mostrar con connotaciones objetivas la realidad de un arte fotográfico actual que remite, en escala, carácter y ambición, a la pintura antigua o tradicional. De alguna manera.

El primero afecta sobordetodo al escenario, el lugar que aparece en una fotografía o en un lienzo. La manera de representar el espacio. Tenemos que fijarnos en la Muerte de Sardanápalo, de Delacroix. En un ambiente muy erótico y violento se representa la muerte del rey Sardanápalo, que aparce tumbado impasible antes de suicidarse, mientras Nieve, la ciudad que gobernaba, está siendo asediada. Acaba de dar la orden a sus sirvientes de degollar a sus mujeres, pajes, caballos y perros, nada de lo que le había dado placer podía sobrevivir. Como Thosack cuando pasó por mi Dépor. Fue un cuadro que hizo despuntar bastante a la escuela romántica, con esas pinceladas liberadas, esas figuras distorsionadas y esa forma de sentir tan afectada que tenían, como de actor español.

Sobre la fotografía que se está haciendo en los últimos años vemos que por más virtuosismo que tenga apenas tiene lugar en el circuito artístico, en el establishment, sin una idea que la sostenga. También es importante la fortuna en la búsqueda de nuevas maneras de construir nuevas representaciones, de ampliar los límites de lo fotografiable. Y aún así la mayoría de las fotos que vemos, da igual que sea en un centro de arte o en una red social, se siguen tomando bajo la lógica de una tradición, la del punto de fuga renacentista que se le ocurrió a Brunelleschi en uno de esos días floridos de la Toscana.


Jeff Wall, en una de sus cajas de luz más célebres (una idea que tuvo en un viaje en bus entre Madrid y Londres mirando marquesinas iluminadas) añade al punto de fuga la mitología descarnada y violenta de Delacroix, se hace eco de los barridos diagonales, del rojo poderoso y de la aspereza general de la muerte de Sardanápalo. Y cocina un producto bien contemporáneo citando sin imitar (él ha hablado de la influenza de esta obra). Desde una mirada propiamente fotográfica bebe sin complejos del romanticismo del XIX, que debe ser como beber de un buen Borgoña, que por cierto, nunca lo he probado.

Utiliza una escala amplia para empujarnos con efectividad al interior de la imagen, un recurso también corriente en la fotografía de los últimos años. Vemos que es una habitación en un espacio reconstruido por los soportes que soportan las paredes, intuimos que es el dormitorio de una mujer, pero no sabemos la causa de la violencia. Y qué importa la ficción, nos quedamos con la alegoría del fracaso. El fracaso de la decadencia y la opulenecia, el fracaso de un asedio o de un beso equivocado.


Segundo ejemplo. Hasta la llegada de la fotografía el retrato era el género más exitoso, y después también. La diferencia es que la fotografía hizo retratos accesibles a parte de la sociedad económicamente menos pudiente. Durante mucho tiempo el retrato fotográfico pretendió ser pintura, como esas fotos de nuestros abuelos en las que las joyas que nunca tuvieron están pintadas al óleo. Y con esas poses y esos fondos que pretendían simular a la pintura clásica más prestigiada, hasta mediados del siglo XX cuando la llegada de las cámaras compactas puso el enfoque en el cotidiano. Después ya llegarían el instagram y los putos gatitos.

Hablábamos del retrato. Puede que el más conocido de Thomas Gainsborough sea Mr. and Mrs Andrews, tenía 21 años cuando lo pintó. A Gainsborough se le suele nombrar como uno de los grandes maestros del retrato, en realidad fue uno de los grandes maestros del paisaje que hay detrás de los personajes que retrata. El señor y la señora Andrews se casaron en 1749. Eran una pareja de nobles de Suffolk, una zona rural inglesa. Posan delante de un roble, poco después de la boda. Él de pie, ella sentada. Informales. Ella, me lo parece a mí, transmite cierta rebeldía. Detrás hay maíz, un grupo de árboles y montañas suaves, o sea Inglaterra. O Lugo, si me apuras.


Dos siglos y medio después Martin Parr publica Sing of the times. El libro contiene un buen puñado de fotografías llenas de potencial irónico, como rescatar a la banca para financiar suicidios, o así. En una de ellas vemos un matrimonio en el salón de su casa. Rígidos y disconformes, representan a la perfección la celebración de una clase inglesa decadente postatcherista. Más que la observación de un momento, lo es de una generación. Él de pie, ella sentada.


A menos de un par de metros hay otra foto de 2001 de Thomas Struth, otro fotógrafo de Chapions League, titulada The Lingwood and Hamylin Family. Es un retrato de una familia posando con aparente normalidad, como todos hemos hecho alguna vez con más o menos resignación. Struth trabaja con cámaras de altísima resolución para conseguir mucha claridad y contrastes potentes en los detalles individuales. También usa tiempos de exposición larguisimos, agotadores a veces. En ese tiempo, aun estando parado, el modelo se cansa, se aburre, se entretiene, se diluye o curiosea. Cada um é como é, que cantó Toquinho. Struth consigue así poses elocuentes y ricas en significado. Cada miembro de la familia sostiene una mirada y un automatismo emocional diverso. A mí por ejemplo me pareció ver conformismo en el padre y desasosiego en la madre. El uso que hace del color, el formato, e incluso también ese tiempo de exposición, remiten de alguna manera a la tradición pictórica del dieciocho. A Gainsborough y su dama rebelde.


Último ejemplo. El tema del paisaje. Desde su aparición como fondo de otros géneros no se independiza hasta el siglo XVII en la pintura holandesa. Horacio Vernet pintó la Batalle de Jemappesses entre austríacos y franceses en 1821. En medio de otros personajes vemos distinguido sobre un caballo blanco al Duque de Orleans, y detrás el campo de batalla, el humo del combate, de las ostias pardas.


Al lado una fotografía de Luc Delahaye Us bombing on taliban positions. Delahaye es un fotógrafo francés especializado en guerras que llegó a trabajar varios años para Magnum. Es una imagen convincente e inquietante. Los bombarderos americanos llegaron y se marcharon, la nube de humo del combate que no fue es toda la estructura narrativa. Es el único testigo de la matanza bajo el cielo sombrío.

31 octubre 2012

Concepto espacial


Rechazó el formato tradicional. Apenas lo saturó un poco y después le hizo tres cortes verticales. Una vía de escape física, y sobre todo simbólica, de la tela plana estirada con fuerza y casi siempre presentada en un marco de madera. Nos dejó ver a través del lienzo, y un lienzo es muchas cosas, acercándonos a otra dimensión y a una formidable sensación de infinito. Era Lucio Fontana, del grupo de los espacialistas, y lo hizo en 1968.

26 octubre 2012

El modelo museístico español


Javier Guardiola, coordinador de la sección de arte del diario ABC, ha realizado tres preguntas a algunos de los directores de museos más importantes de España acerca del pasado, presente y futuro de los centros artísticos españoles. La visión de lo hecho los últimos veinte años es, o al menos lo parece, optismista. Lo que más se destaca es la red de centros creada casi de la nada y la formación de profesionales. Es muy apropiada la crítica de Iñaki Martinez, director del MARCO, sobre la falta de planificación general que ha habido y que ha generado competencias absurdas entre ciudades que se copiaron modelos aparentemente exitosos en vez de complementarse. Respecto al panorama actual, la mayoría se mueve entre la resistencia y la pervivencia, unos peleando por rescatar el pensamiento crítico en tiempos críticos, y otros apostando, ya sin disculpas, por la cultura del espectáculo. En general, como dice Borja-Villel, en estos últimos 20 años se ha acercado el arte contemporáneo a la gente, y algo bueno tendrá eso.


29 septiembre 2012

Parecidos


Madrid, 25 de Septiembre de 2012

La revolución de Octubre, Rusia, 1917.

01 septiembre 2012

Icarus


Un film de Thomas Giddings, en la costa de Reino Unido. El aparato se llama flyboard y cuesta unos 5000 euros.

03 agosto 2012

Lo que sale detrás del presentador del telediario (II)

 Para ler a entrada en galego preme aquí.


En los Juegos Olímpicos de Londres los telediarios de medio mundo están mostrando imágenes del Estadio Olímpico durante las conexiones en directo. Así vemos que junto al estadio hay una extraña torre roja, que se nos está haciendo más familiar a medida van pasando las jornadas. Es el nuevo icono de Londres, la capital devoradora de iconos. Algo más sobre ella:

1. El skyline de una ciudad es la vista emblemática parcial o total de sus edificios más altos. Por ejemplo la vista de la Catedral de Santiago desde la Alameda, o la de la Marina de A Coruña desde El Parrote. No hay dos iguales, son una especie de huella dactilar urbana. En octubre de 2008 el equipo de la candidatura de Londres 2012 decidió que el skyline del Este de Londres, la zona donde se están celebrando los juegos, necesitaba un extra. Convocaron un concurso para levantar una “Torre de Trajano del siglo XXI”. Se presentaron 50 proyectos.

2. Ganó la torre diseñada por Anish Kapoor, un indio educado en Inglaterra, y puede que uno de los artistas plásticos vivos máis influyentes del mundo. Dijo que su inspiración fue la Torre de Babel, como ejemplo de arquitectura imposible. El otro autor es Cecil Balmond, un importante diseñador industrial de Sri Lanka, y también afincado en Londres.

3. Aunque se conoce como Orbital Tower, el nombre oficial es el de una multinacional del acero: Arcelor Mittal Orbital Tower. La torre es de acero.

4. Costó 24 millones de euros, de los que 20 fueron pagados por Lakshmi Mittal, el hombre más rico de Gran Bretaña, y dueño de la compañía de acero Arcelor Mittal. El resto lo pagó la London Development Agency, una agencia del gobierno británico creada para gestionar presupuestos públicos dedicados a la especulación  al crecimiento urbanistico. Fue cerrada en los cuts del pasado marzo.

5. Es roja como el rojo del barrantes, grande, convulsa y agresiva. Parece dos grúas que chocaron.

6. El crítico de arquitectura del Guardian Jonathan Glancey dice que “es un matrimonio extraño y atractivo de clases, es decir, de la Torre Eiffel (burguesa y seductora) y la Torre Tatlin (un proyecto arquitectónico del escultor ruso Vladimir Tatlin en los años veinte, para ser levantado en Petrogrado como monumento y sede de la Tercera Internacional)”. Y por la banda de Lestrove, el crítico de arte Brian Sewell dijo en The Times que “nuestro país está lleno de arte público sin absolutamente nengún mérito. Estamos entrando en un nuevo periodo de gigantismo fascista. Estos son monumentos a los egos y no podrás encontrar ningún ego más monumental que el del alcalde de Londres, Boris Johnson”.

7. Mide 115 metros de altura, el doble del obelisco de Lord Nelson en Trafalgar Square o de la torre de Hércules. Es la escultura pública más grande del Reino Unido. Además en la parte superior es un observatorio para ver el Parque Olímpico, si es que un Parque Olímpico tiene mucho que ver.

8. Subir cuesta 19 euros. El precio de una entrada y medio en los cines Rio, en Kinglsand Road, o cuatro días de abono de metro.

9. Va a permanecer en ese lugar después de los juegos. El propósito, según las autoridades, es apuntalar la inversión hecha en Stratford, donde está el Estadio Olímpico, y hacer de ella un icono que perdure. Esa inversión de futuro es, por encima de las instalaciones deportivas y de las buenas intenciones, el nuevo centro comercial Westfield, uno de los más grandes del mundo, y por el que hay que pasar obligatoriamente para acceder al Parque Olímpico. Y el futuro polo de atracción de una apetecible zona con abundantes solares aún por urbanizar.

10. El alcalde de Londres, puede que más borracho que Sue Ellen, dijo que "la torre hubiese dejado atónitos a los romanos y empequeñecido las aspiraciones de Gustavo Eiffel".

Lo que sale detrás del presentador del telediario I

29 julio 2012

As espigadoras de Lalo Villar


Da pintura de Millet adóitase decir que "é unha representación realista dos traballadores campesiños, onde mostra de xeito moi humanista a realidae do século XIX, o que foi mal recibido pola clase alta francesa. A inocencia do home campesiño en contraposición á degradación que acompaña ao cidadán inmerso na sociedade industrial". Esta fotografía deliciosa sae pubricada hoxe en El País. Son empregados dunha comercializadora de prantas en Tomiño, Pontevedra. Seu autor é Lalo Villar.

28 julio 2012

Cinco preguntas a Ferreiro Badía


Naceu en A Coruña en 1944. Ten obra por toda Galicia e polo mundo adiante. Gañou premios a moreas, e ven de expoñer na prestixiosa mostra NordArt 2012 en Büdelsdorf, Alemaña, e de facer a medalla conmemorativa que o Parlamento de Galicia adica ó Día das Letras Galegas, na honra este ano de Valentín Paz Andrade. Cinco preguntas, non máis, ó escultor Manuel Ferreiro Badía

1. Tes feito monumentos a Bolívar, Rosalía, Castelao, Torrente Ballester e tantos outros. Con cal destes persoeiros quedas?
Con Torrente Ballester, coñecíao e tiven a oportunidade de facerlle uns debuxos previos que resultaron moi interesantes e facilitáronme un modelado espontáneo e rápido.

2. Por qué diante do monumento adicado a Cela en Padrón hai dúas esferas grandes de granito?
Segundo constaba no proxecto estas dúas esferas de 120 cm. de diámetro representaban as esferas da creación e do coñecemento. O alcalde de entón non quixo que se puxesen na realización do monumento; alguén podería pensar que poderían ser usadas coma un pase-de-bolas nas despedidas de solteiro. Como estaban no proxecto vencedor do concurso realiceinas e coloqueinas no seu lugar. Adoitan facerse fotografías os visitantes colocándose no espazo que fica entre as esferas e o pedestal onde se atopa Cela. Despois de nove anos aínda non me devolveu o concello a fianza que depositei no seu día do 4%, a pesar de pedir a súa devolución varias veces.

3. Que farias coa Cidade da Cultura?
Aproveitaría o seu peche temporal para quitarlle todas as escaiolas que se puxeron no seu interior. É outra arquitectura.

4. Como che ten condicionado traballar por encargo dunha administración pública?
A maioría dos traballos públicos proveñen de concursos e execútanse tal e como están nos proxectos. Amáis son outros tempos nos que a autonomía do creador adoita estar xustamente valorada. Pensar que Velazquez tivo nove censores para que se axustase o tanto por cento de cada cor, para a disposición, número e situación de cada personaxe, a relaciónentre eles, os traxes, a dirección e intensidade da luz, etc e fixo… As meninas!

5. Dous lugares de Galicia. 
A Coruña que é onde nacín polo carácter da poboación, e calquera lugar da conca do Sil pola súa beleza.

26 julio 2012

Works of Calder


Dirigida por Herber Matter, narrado por Burgess Meredith, y con música de John Cage. En la película vemos, con el mismo ritmo sugestivo que sus esculturas móviles, a Alexander Calder enseñando algunas de sus obra a su nieto en su estudio de Roxbury, Connecticut, en 1950. 

15 julio 2012

14 julio 2012

Diez hitos del diseño británico y un Jaguar para bajar la Gañidoira

 Para ler a entrada orixinal en galego no Diario Praza preme aquí. 

Cogí fuerzas en una de las nuevas capillitas hipster de Bethnal Green, el Cafe 388. Tortilla de espinacas con ensalada, y un zumo de naranja. Por cinco libras vale la pena. Fuera llovía, así que cogí el metro para ir hasta South Kenstington, el Barrio de Salamanca de Londres. Allí me esperaba David, El Titi, para visitar el Vitoria & Albert Museum.

Pude ver que en todas las estaciones han puesto carteles nuevos para indicar trayectos a eventos deportivos de las Olimpiadas, que serán el próximo agosto, y que ya están siendo un fastidio importante. Desde el Ayuntamiento de Londres dirigido por el neoyorquino Boris Johnson, el alcalde conservador que se parece a quince orangutanes, están sugiriendo que no utilicemos el transporte público durante esos días para ir a trabajar, que todos no cabemos. Anunciaron también que cortarán un carril en las principales carreteras, por el que sólo podrán circular automóviles de la organización olímpica, y que los que usen el transporte público para ir a un evento deportivo olímpico, con la entrada en la mano, no pagarán. Los que vayan a trabajar, seguirán pagando por el bono mensual unos 140 euros, o más. No está previsto que vayan a ser azotados, por el momento.

Es también el espíritu olímpico de arcoiris multicolores lo que está haciendo que los precios de las rentas en el East London, donde viven trabajadores de los que trabajan a destajo, se esté incrementando expoñencialmente. El discurso envenenando sobre los beneficios y la regeneración de las zonas próximas al estadio olímpico se repite machaconamente. Y nosotros ya aprendemos a sospechar de las regeneraciones urbanas cuando van de la mano de la propaganda política: suelen consistir en tomar un terreno baldío, llenarlo de imitación sofisticada, lofts, pastelerías y fachadas sin alma. Creen que eso les da una aura de buen gusto, o algo así. Esta dinámica especulativo obliga a ciudadanos de ingresos menores a hacer espacio para los oportunistas, que toman como rehén un espacio público interesante, en un determinado momento, con la esperanza de ganar más dinero. No comprenden, porque no quieren comprender, que el desarrollo de un área necesita dinámicas propias, y que la identidad la da, sobre todo, el tiempo suficiente.

Llegué con cinco minutos de retraso, y no diez, como decía David. Pasamos por debajo de los 208 conos de tráfico puestos del revés que forman la instalación temporal diseñada por el estudio Heatherwick, puede que el más puntero del mundo, que recibe a los visitantes. Queríamos ver la exposición British Design 1948-2012.

En 1948 Londres acogió los primeros Juegos Olímpicos después de la Segunda Guerra Mundial. Fueron llamados los juegos de la austeridad, la ciudad estaba devastada por las bombas. Este verano se celebrarán otros, y el contexto es completamente diferente. Esta muestra, que se puede visitar hasta el próximo septiembre, explora las tensiones permanentes en la cultura inglesa entre modernidad y tradición (¡tradición británica!), y va en la búsqueda del impulso subversivo que ha marcado el liderazgo creativo del diseño británico durante estos últimos 60 años. Lo hace a través de edificios, imágenes, objetos e ideas de artistas nacidos o entrenados en la Gran Bretaña.

Al sair tomamos un par de pintas en el The Anglesea Arms, mientras mirábamos con gusto a las sloane rangers, que se divertían como si nengunha crisis estuviera despedazando Occidente. Nos jugamos la cuenta al Black Jack y gané. En el metro de vuelta una chica que iba sentada a mi lado me preguntó de que país soy. Le respondí preguntando por qué sabía que yo no soy inglés. Porque nosotros nunca usamos cuadernos de cadrículas, respondió.

La entrada cuesta trece libras, ocho enseñando el carné de la Universidad de Santiago, que no caduca nunca, como el primer amor. De todo lo que allí vimos, me quedé con esta decena:


1. La torre Skylon del Festival of Britain


El Festival of Britain fue una exposición nacional que comenzó en Londres, en 1951, y después recorrió todo el país. Por entonces, después de la Segunda Guerra Mundial, una buena parte de Londres estaba aún en ruinas y su reconstrucción era una necesidad urgente. El festival intentó crear en el ciudadano británico una certeza: que sería una reconstrucción moderna y eficiente. Se mostraba la contribución de Gran Bretaña a la cienca, tecnología, diseño industrial, arquitectura y artes.

La torre Skylon fue el símbolo del festival. Tenía forma de cigarro de aluminio, sostenida por cables de acero. La base era de unos 15 metros, y la altura de 90. Fue diseñado por Hidalgo Moya, Philip Powel y Felix Samuely, y fabricada en Hereford, Inglaterra. Un año después Churchill mandó retirarla, pensando que era un símbolo del gobierno laborista anterior. Se vendió como chatarra.

2. Señal de advertencia de niños cruzando.


Fue obra de Margaret Calvert y Jock Kinnier, en 1964. Juntos diseñaron el sistema de señalización de las autopistas inglesas desde 1957 hasta 1967. Este modelo fue el utilizado después en la señalización viaria moderna en casi todo el mundo, y sigue en uso.

Unos años antes, el diseñador gráfico Herbert Spencer, condujo su coche desde el centro de Londres hasta el nuevo, entonces, aeropuerto de Heathrow, y fotografió cada uno de las señales que se encontró en por el camino. Publicó el resultado en la revista Typographica. Distinguió cientos de símbolos de distintas tipografías, tamaños y colores, colocados por distintas administraciones. Esta situación caótica no pasó inadvertida para el gobierno, quien encargó a Kinnier y Calvert el nuevo sistema. Ahora se cuidaban minuciosamente las letras, colores, formas y símbolos, con eficiencia y elegancia. El sistema fue un éxito inmediato.

Esta señal, que advierte de la cercanía de niños en la vía, esta basada en una foto de Calvert y su hermano cuando eran pequeños.

3. Que es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?


En 1956, en la Whitechapel Gallery de Londres, se organizó la histórica exposición, porque no la entendió ni Dios, This is tomorrow. Incluyó la obra de artistas, arquitectos, músicos y diseñadores gráficos. Se dividieron en 12 equipos, en un ejemplo de colaboración interdisciplinar poco usual por entonces. El punto de partida conceptual eran los sentidos humanos y la vivienda. En el equipo 2 estaba Richard Hamilton. Presentó, bajo el llamativo título Just What Is It That Makes Today?s Hombres So Different, So Appealing?, un collage que fue la primera obra a la que la crítica llamó propiamente Pop, la palabra que se lee en el caramelo que sostiene el culturista.

El diseño ya no es sólo reconstrucción, será también revolución. La cultura popular, publicidad, cine i electrodomésticos, configura el nuevo paisaje iconográgica. Tan vigente que espanta.

4. El Mini


El Mini, el vehículo económico para familias y mujeres. Lo produjo la British Motor Company desde 1959 hasta 1960, cuando fue sustituido por el Nuevo Mini, el objeto de deseo sin sustancia de docenas de encargadas de Inditex.

En 1956, en plena Crisis de Suez, el Reino Unido sufre la reintroducción del racionamiento de gasolina. Caen las ventas de vehículos grandes, y se incrementan las de utilitarios, procedentes en su mayor parte de Alemania. La British Motoro Company reacciona: encarga un coche que quepa en una caja de 3,0 x 1,2 x 1,2 m, que el habitáculo de los pasajeros ocupe 1,3m de los 1,8m de longitud, y que el motor sea el de un modelo ya preexistente. Se encargó de la tarea Alec Issigonis. Las ventanas eran corredizas, reservando el espacio de mecanismo para bolsillos de almacenamiento. Se dice que en ellos cabía justo una botella de su ginebra favorita.

5. Twiggy


Quien tomó esta fotografía fue Ronald Traeger, un americano que supo captar la picardía femenina como nadie. Y la de la foto es Lesslie Lawson, o Twiggy, muy pícara, ademáis de guapa. Ahora ronda los 60. En aquel momento, con 16, encarnaba el modelo fashion inglés asequible para la juventud trabajadora, y ya consumidora de moda.
Pelo corto y engominado, actitud juvenil y piernas largas. Como en Blow Up de Antonioni.

6. Los sastres

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Asociamos el tailoring británico a lo clásico, y asociamos bien. Aún me asombran las tiendas de trajes a medida en casi cualquier rincón de Londres. Son bastante sofisticadas, de madera y dorados, y con portero. No como aquella sastrería de Marcelino en Viveiro, a la que subíamos para ver las procesiones, y de cuando en cuando a recoger pantalones de pana para mí padre, mientras jugábamos con los muestrarios de telas, las tizas, y un teléfono rojo de rosca de los que hoy se venden en Portobello.

Ser clásico y al tiempo ir dando la nota es algo propiamente British. Igual que cruzarse en pelotas por delante de la antorcha olímpica. Tommy Nutter y Edward Sexton, en los 60, lo entendieron bien. Diseños extravagantes, corte clásico, y una larga lista de clientes famosos.

7. La Saint Martins School y Bowie


De pronto el perro se abalanzó sobre mí, y la expresión de Bowie cambió. Es sencillo, cuanto más duro trabajas y más fotografías tomas, más momentos decisivos se pueden capturar. Se trata de experiencia, de estar preparado, y de anticiparse. El trabajo de Terry El´Neil, si por algo destaca, es por capturar a los retratados en posiciones poco convencionales. Ésta formó parte de la promoción de Diamond Dogs.

El traje de rociero andrógino que lleva Bowie salió de la Central Saint Martins School of Art and Design, la escuela de buena parte de los creativos de moda más señalados desde los 90 hasta hoy.

8. God save the Queen

El Punk fue, más que nada, una respuesta radical de algunos chicos a la complaciencia y el conservadurismo de la cultura Británica mainstream de entonces. La superficie en ocasiones derivó en estereotipos, pero algunas de sus ideas más brillantes dejaron un impacto profundizo en subculturas que vendrían después.

Una de esas ideas la tuvieron Jamie Reid y Malcom McLaren. Reid era cofundador de la revista Suburban Press y McLaren el manager de los Sex Pistols. Cogió a Reid para diseñar la gráfica de los Pistos. Buscaba una estrategia de shock y Reid había sido capaz de ponerle un imperdible a la reina en los labios en las celebraciones del Silver Jubilee, el 25 aniversario de reinado de Isabel II. Para el disco utilizó letras recortadas como hacen los extorisionistas, reforzando el mensaje rupturista. Construyeron nuevos significados con viejos residuos. Se salieron.

9. La silla Supporto


Diseñada para finalizar con las jerarquías en las oficinas. Es un diseño de Fred Scott, de 1980. Ergonómica, totalmente ajustable y fácil de limpiar y mantener. Aún se fabrica.

10. El Jaguar Y-Type Series 1


El coche para dejarse llevar en verano por las curvas de Positano, o en otoño bajando por la Gañidoira y sonando DIIV de fondo. Es el que toma prestado Don Draper para sacar a pasear a Joan en la quinta temporada. Lo diseñó Malcom Sayer, utilizando algortimos y calculos matemáticos novedosos que optimizaban la aerodinámica como nunca se había hecho. Tiene carisma, diseño y punch.

El MOMA adquirió uno en 1966 para su colección permanente.

26 junio 2012

El Museo Geffrye de Londres

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Los que tributamos en el Reino Unido pagamos los 10 millones de euros que costaron los actos con los que se festejaba aquel día el 60 aniversario de la reina de Inglaterra en la poltrona. Era un sábado de finales de mayo. Hacía uno de esos días primaverales que los ingleses llaman four season in one day, en los que en veinte minutos resplandece el sol, llueve, hace un frío del demonio y vuelta a empezar. Y la lluvia cuando estás fuera bien puede valer para ahuyentar la morriña, pero moja igual, así que echamos a correr buscando un techo y lo encontramos bajo los pies de Sir Robert Geffrye. Había sido alcalde de Londres a principios del siglo pasado, y su figura de bronce preside la puerta principal del Geffrey Museum, en el corazón canalla del East London. La entrada es gratis.

En estos coquetos y pequeños museos ingleses, en los que un cambio es un trauma, lo normal es encontrarse con los mismos personajes: Anthony Hopknis en la recepción, padres tirando del carrito del niño, señoras muy mayores con gabardina, gafas de muchas dioptrías, paño de flores en la cabeza y deportivas en los pies, y un profesor universitario. En el que nos ocupa, el Geffrey Museum, la idea central es mostrar la evolución de los espacios comunes en la vivienda de las clases medias urbanas inglesas, desde 1600 hasta hoy. Que ya es algo

Las clases medias. Se suele decir que es un concepto sociológico aplicado a un grupo de personas de nivel social y económico medio, ni mucho ni nada, al que le precede la clase baja y al que le sucede la clase media-alta. Hoy en día la diferencia entre clases se debe, en buena parte, a la diferencia de oportunidades que el mercado le ofrece a cada grupo dependiendo de su capital y de su función estructural en las relaciones de producción, o para entendernos, de explotación. En el Geffrey Museum nos conocumos una parte de la vida de la clase media pequeño burguesa inglesa, heredera en parte de la nobleza media medieval y de los freeman, los hombres libres, aquellos que no eran propiedad de ningún señor feudal, y que tenían derecho a ganar dinero y poseer tierras. Hombres y mujeres que hicieron negocios por libre, que fueron abogados y médicos, y que en el siglo XIX incluso llegaron al gobierno. Influyeron, como una versión menor de la clase alta, y con la pretensión de emularla, en la moralina victoriana, pero con valores propios, que también se reflejaron en diseños y formas que aquí se muestran.

El museo se inauguró en 1904, que es el mismo año en el que transcurre el Ulysses de Joyce, celebrado estos días en el Bloomsday, el día en el que los pubs de la capital inglesa sirven el mismo menú que suele comer el protagonista de la novela, Leopoldo Bloom. El edificio antes era una pensión de lujo con enfermería, cocina, y amplios jardines llenos de plantas aromáticas traídas de las colonias, y que aún mantienen. Shoreditch, el barrio donde se encuentra, sufrió un aumento de población exponencial con la llegada de la industria manufacturera a comienzos de siglo, el conjunto se reutilizó y la pensión fue trasladada al Oeste. Hoy aquellas antiguas fábricas están mayormente ocupadas por galerías y estudios de artistas que llegan buscando luz y espacio.

La primera sala cubre el siglo XVII. A mediados de siglo abre el primero coffee shop en Londres y nace el espacio llamado hall, una palabra que adoptamos nosotros después. Es el lugar para cenar, casi siempre con la pared en madera y con una mesa robusta en el centro. Entonces Londres ya era la ciudad más grande del mundo. Los periódicos empezaban a tener una popularidad desconocida: informaban de las noticias de las guerras de fuera, de los detalles de los barcos que llegarían y del precio del grano. El padre de familia lo leía en voz alta en el hall, alrededor de la mesa, para toda la familia.

La familia va haciendo más dinero y necesita un espacio más grande para meter más muebles, así surge el parlour, una ampliación del hall. La decoración ya es más elaborada, será un lugar de ocio. Aparece el reloj de pared, el símbolo de la regulación vertical del tiempo que diferencia, manda carajo, el working day del home life. El parlour es el espacio para recibir, para almorzar, y para tomar el té, con pan y mantequilla. Los ingleses beben cada día 3 tés de promedio, unos 75.000 en toda una vida.

En la sala del siglo XVIII muestran la llegada e influenza del clasicismo en los hogares ingleses. Una revisión de Palladio reflejada en unos espacios más regulares y con el enfásis que da siempre poner una columnita clásica en el salón, siempre que no vaya acompañada de un neón en la entrada. Entra la luz, y también las alfombras con volutas y ribetes, las cerámicas y el papel pintado. Se considera el origen del tapete encima de la tele de casa de la abuela.

En 1833 se hace ilegal que los menores de 9 años trabajen en fábricas. En este siglo se mantiene la dimensión del ahora llamado livinig room. Se produce un boom de productos manufacturados, y nacen los muebles montables para aprovechar mejor el espacio. Se añade el escritorio, en plural, habrá uno para el hombre y otro para la mujer.

El siglo XX, en el que se inventó el tractor y en el que tú naciste, está contado a través de un salón que podría estar sacado de la primera temporada de Mad Men. Muestran, con acierto, la influenza de fondo del Arts & Crafts y del movimiento moderno en el diseño habitacional. Las nuevas preocupaciones por la higiene y la salud transforman el espacio en líneas simples y en una abstracción domesticada. Y por otro lado los escandinavos traen nuevos colores y texturas. Traerán también más tarde los manuales de instrucciones imposibles.

Salimos y en Kingsroad un grupo nos invitó a un picnic para celebrar lo de la Reina. No probé bocado, por la República. Y porque había desayunado fuerte.

18 junio 2012

Lo que sale detrás del presentador del telediario

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A Greek flag waves in front of the temple of the Parthenon in Athens

Estos días estamos viendo bastantes corresponsales, e incluso algún telediario en directo, desde Grecia. Están ahí por las elecciones, y porque parece que los griegos están a punto de tirar el euro por el Parnaso abajo. La mayoria utiliza la misma imagen de fondo para situar de inmediato al televidente, el Partenón de la Acrópolis. Ayer estuve viendo en el British Museum algunas de las esculturas de los frisos del Partenón, y se me ocurrió dejar aquí diez sencillos puntos, que vale la pena recordar, sobre esta majestuosa casa de los dioses. Esos que han tenido el antojo de apañar un Alemania-Grecia para el próximo viernes en la Eurocopa.

1. El Partenon se levantó en honor a la diosa griega Atenea en el siglo V a.c. Ictino y Calícrates fueron los arquitectos. Fidias, el gran escultor, supervisó todo.

2. Mide unos 70x40 metros y lo rodean 46 columnas de 10 metros de altura. Son dóricas, de mármol blanco del Monte Pentélico. Las puertas eran de bronce.

3. Las columnas tienen éntasis: son más anchas en el centro que en los extremos. Tampoco están separadas por la misma distancia entre ellas. Las escaleras son ligeramente convexas. Estos efectos permitirían que no apreciemos la deformación antiestética que se produce al aproximarse a grandes monumentos. La corrección fue excesiva, lo vemos cóncavo.

4. En el siglo VI d.c. fue una iglesia bizantina y poco después latina. En el XV d.c., bajo el Imperio Otomano, fue una mezquita, incluso con minarete. En 1832, con la independencia de Grecia, lo tiraron.

5. En 1687 se utiliza como polvorín por los turcos durante el sitio veneziano. Una bomba estalla y lo deja muy dañado, hasta entonces se conservaba bien.

6. En 1801, el embajador británico en el imperio de Constantinopla, Lord Egin, obtiene el permiso de las autoridades griegas, según el Parlamento británico, para extraer, embalar y enviar a Londres las figuras del friso. Cuando llega, las vende, como particular, al Museo Británico. Se exponen al público, gratis, desde 1817.

7. En el British Museum está el 37% del friso, el 48% en el Museo Arqueológico de Atenas y el 18% restante en diferentes museos (Oxford, Paris, Vaticano, Vienna, Munich, Basilea, Seattle y Essex).

8. El Museo Británico defiende su derecho histórico a exponerlos y conservarlos. Dice que la separación permite mostrar la obra de forma complementaria y con otro punto de vista, y que su grandeza y universalidad trascende las fronteras culturales. Es uno de los grandes atractivos turísticos del museo, y de Londres, con cinco millones de visitantes anuales.

9. No es cierto que Londres alegue que Grecia no dispone de un lugar adecuado para exponerlos. Admite que lo tiene, y además ya le ha prestado objetos para exposiciones temporales de igual importancia en el pasado.

10. Grecia exige que sean devueltos porque forman un único conjunto que sería expuesto y conservado, en las mejores condiciones, en el Nuevo Museo de la Acrópolis, inaugurado en el 2009. Y porque son griegos y fueron robados.

Mi opinión? Los frisos son Grecia y deben de estar en Grecia. Y el British seguirá siendo el British.

Por cierto, en la misma visita, tomé esta foto de los torques gallegos que se exponen, permanentemente, en el British Museum. Y aquí la película de 7 minutos de Costa-Gavras sobre la historia del Partenón.